La complicidad creativa y la relación de amistad entre estos dos fotógrafos son los ejes de esta exposición, una muestra de sus corpus de trabajos y series emblemáticas que permitirán descubrir los vínculos entre sus trayectorias al contrastar los conjuntos de imágenes y temáticas de cada uno de ellos. Cualladó y Gómez se conocieron en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid y pronto sintonizaron. Durante la década de los sesenta tomaron un gran protagonismo en los grupos en los que se integraron, renovadores de la fotografía española a mediados del siglo XX. La obra de Gabriel Cualladó, primer galardonado con el Premio Nacional de Fotografía en 1994, destaca por una destilada influencia de los clásicos internacionales y una extraordinaria habilidad para el retrato próximo y directo, en contraste con la dureza de los positivados de sus copias que confieren a sus imágenes un característico halo de fantasía. Francisco Gómez prestó especial atención a lo largo de toda su obra a las imágenes de interiores, logrando que lo real entrase en el ámbito de lo imaginario con tan sólo fijar un detalle o encuadrar una pared, situándose su trabajo entre el realismo y la abstracción, la fotografía subjetiva y el neorrealismo. Su práctica fotográfica se diversificará enormemente tras comenzar a colaborar con la revista Arquitectura en 1959, abriéndose también desde entonces a géneros como la fotografía de arquitectura, el reportaje o una incipiente práctica documental urbana.
SHANGHAI, CHINA . Gracias a esta pasarela elevada, los peatones no tienen que jugarse la vida para cruzar la rotonda Mingzhu de Pudong y salvar el enorme espacio que separa los edificios de oficinas y los centros comerciales. Cada año mueren en las carreteras unos 250.000 chinos; más de la mitad son peatones o ciclistas.
JEAN SHRIMPTON, en cuerpo y alma. Si estás buscando un fotógrafo con alma, un retratista irreverente, un cámara ante el que hayan pasado iconos de este siglo y del pasado, ese es David Bailey (Londres, 1938). Conocido por ser el gran fotógrafo de la movida británica de los 60, fotoperiodísta, especialista en moda, música, arte…la editorial Taschen publica una cuidadísima edición con lo mejor de su obra. De Brigitte Bardot a Dalí, de Mick Jagger a Mandela o de Warhol a Thatcher, nosotros nos quedamos con Jean Shrimpton por su belleza y porque fue su primera musa (y amante). Esta edición absolutamente maravillosa se titula David Bailey, cuesta 2.500 euros y puedes adquirirla en taschen.com
La exposición “MILTON H.GREENE. El laboratorio de la Moda” se puede contemplar en Valladolid por primera vez en España.Milton H. Greene (1922-1985) fue un fotógrafo de moda y celebridades estadounidense que se mantuvo activo por más de cuatro décadas, alcanzando notoriedad por sus retratos de la actriz Marilyn Monroe.
El gran Richard Avedon afirmaba que Milton H. Green era el mejor a la hora de retratar a las mujeres porque tenía el don de hacerlas sentir cómodas, una de las virtudes que deben acompañar siempre a un buen fotógrafo. Comenzó pronto, a los 14 años, cuando de la mano del famoso fotoperiodista y mago de la composición, Elliot Elisofen, dio sus primeros pasos. Después, estuvo con Louise Dahl-Wolfe, la fotógrafa de moda conocida por su trabajo para ‘Harper’s Bazaar’. Un currículum que le valió para hacerse conocido en el mundo de la fotografía con tan solo 23 años para posteriormente colaborar en las principales publicaciones de la época, como ‘Life’, ‘Look’, ‘Harper’s Bazaar’, ‘Town & Country’ y ‘Vogue’.A Milton Greene se le reconoce, junto a célebres autores como Cecil Beaton, Irving Penn, Norman Parkinson o el propio Richard Avedon, el haber logrado elevar la fotografía de moda al ámbito de las artes.
Sin embargo, aunque inicialmente Greene fue reconocido por sus fotografías de moda, son sus retratos de artistas, músicos, películas, y celebridades de televisión y teatro los que acabaron siendo legendarios, con un envidiable porfolio de artistas que posaron ante su cámara como Marilyn Monroe (la que más veces posó para él), Frank Sinatra, Grace Kelly, Marlene Dietrich, Groucho Marx, Andy Warhol, Steve Mcqueen y un larguísimo etcétera. A lo largo de su extensa carrera, Milton H. Greene ganó numerosos premios. Nacido en Nueva York el 14 de marzo de 1922, Milton Greene comenzó a tomar fotos a los catorce años. Aunque recibió una beca para asistir al renombrado Pratt Institute, su interés por la imagen fotográfica desvió su atención hacia la cámara y su versatilidad. Él quería capturar la belleza de la gente, la cual, según él, estaba en sus corazones. Al mismo tiempo, deseaba mostrar a las personas de una manera natural y elegante. Su habilidad era crear un vínculo con el modelo, el cual finalmente se dejaba ver. Entre los personajes que posaron para Greene se encuentran Frank Sinatra, Grace Kelly, Marlene Dietrich, Sammy Davis, Jr., Elizabeth Taylor, Cary Grant, Sophia Loren, Groucho Marx, Audrey Hepburn, Andy Warhol, Judy Garland, Giacometti, Lauren Hutton, Alfred Hitchcock, Romy Schneider, Laurence Olivier, Ava Gardner, Steve McQueen, Claudia Cardinale, Paul Newman, Lauren Bacall, Dizzy Gillespie, Catherine Deneuve y Norman Mailer.
Pero su relación amistosa con Marilyn Monroe y los retratos que creó de ella son por lo cual Greene es mejor recordado. Antes de casarse con Arthur Miller, Monroe vivió con Greene y su familia en su granja de Connecticut. Fue ahí donde él capturó algunas de las más famosas fotografías de Monroe. Durante sus cuatro años juntos, Greene retrató a Monroe en cincuenta y dos sesiones fotográficas, incluyendo la célebre serie de imágenes Black Sitting. Monroe le encomendó a Greene confeccionar su autobiografía, llamada My Story. Posteriormente, él colaboraría con Norman Mailer en una autobiografía ficticia de Monroe, titulada Of Women and Their Elegance. En los últimos años, las fotografías, imágenes y posters de Milton H. Greene, han sido expuestas en los principales museos y galerías de todo el mundo, así como la presencia en numerosas colecciones privadas. El trabajo de Milton H. Greene seguirá siendo considerado como representativo de una era en el tiempo, que puede haber desaparecido, pero que siempre se reflejará en imágenes.
Mauthausen, en Austria, fue el campo de concentración donde hubo más españoles. Por él pasaron unos 200.000 presos de todas las nacionalidades de los cuales murieron 100.000. Francisco Boix (Barcelona, 1920), que se había exiliado a Francia durante la guerra civil, llegó allí en 1941 en una expedición de 1506 republicanos españoles tras ser hecho prisionero por los alemanes. Su afición a la fotografía lo convirtió en un candidato idóneo para el Erkennungsdienst, un laboratorio fotográfico destinado a los retratos policiales de indentificación de presos. Trabajando allí, Boix logró esconder y salvar al menos 1000 fotografías, 200 disparadas por él mismo tras la liberación del campo y 800 hechas por los oficiales de las SS durante el cautiverio. “Aparte de esos negativos originales, hay unas 300 de las que tenemos los positivos pero nadie sabe donde están los negativos. Muchas tienen anotaciones de Boix –explica Benito Bermejo–. Además de eso, Boix cuenta en el proceso de Dachau, un mes después de Nuremberg, que escondió unas 20.000 fotografías y que, en el tiempo que estuvo allí, se hicieron 60.000. Boix murió en el 51 sin que se supiese que fue de aquellas fotografías”. En cualquier caso, esas otras 1000 que sí conocemos fueron cruciales como pruebas documentales tanto en los procesos de Dachau como de Nuremberg y la historia de cómo Boix los sacó del campo de concentración es lo que cuenta.
La firma alemana ha presentado un nuevo modelo de su gama de cámaras compactas con interesantes argumentos, como pantalla táctil de tres pulgadas, visor electrónico de alta resolución con 2,8 MP, puerto de carga USB-C y grabación de vídeo en 4K. También puede utilizarse con la *app* Leica Photos que permite el control remoto desde tu *smartphone*. (1.195 €).
Hay objetos cuya perfección puedes apreciar a simple vista y otros que basan su razón de ser en su PROFUNDIDAD Y EQUILIBRIO.
Dos maestros de la fotografía, FRANTISEK DRTIKOL Y GERDA TARO, protagonizan dos novelas que reflejan la efervescencia artística de principios del siglo XX.
—por Enrique Bueres.
La silueta de la mujer desnuda de la portada que ves sobre estas líneas, sacerdotisa del amor físico, es el resultado de un milagro: el milagro de la luz, el prodigio de la cámara que con su lente de cíclope transforma el ahora en un momento eterno.
Los planos individuales de la decoración art nouveau, con sus ondas y sus sombras, resuenan en armonía con los pechos elásticos, con las caderas y brazos de la modelo.
Sombras proyectadas al futuro. Su autor es Franstisek Drtikol (1883-1961), fotógrafo checo protagonista de una novela poco común, Una historia de luz, de Jan Nemec. Aunque no es una biografía, la ficción sigue la vida de un artista que ya desde niño fue un incomprendido, algo que sufrió hasta ser reconocido internacionalmente. Tuvo que defenderse ante la policía de Praga de la acusación de corromper a los jóvenes por ser el primero en exponer en la vitrina de su estudio el cuerpo desnudo de una mujer.
Drtikol se preguntaba qué había de obsceno en sus fotografías. «¿Están diciendo que les molesta un coño? ¡ Pero si también es obra de Dios ! «. Natural.
Otra pionera, otra vida singular. En este caso cortísima, puesto que la periodista gráfica alemana Gerda Taro falleció en la Guerra Civil Española poco antes de cumplir 27 años, en 1937. Pareja de Endre Friedmann –con quien Taro creó la figura del mítico fotógrafo Robert Capa– dejó una profunda impronta en quienes compartieron con ella su juventud, alegría de vivir, talento y compromiso en unos tiempos convulsos marcados por el ascenso del nazismo y la guerra. Su apasionante existencia queda reflejada en La chica de la leica (Tusquets), documentada obra de Helena Janeczek (Múnich, 1964) que ha ganado el prestigioso Premio Strega 2018.
El Museo Patio Herreriano acoge la exposición «El autorretrato y su doble», que reúne ocho vídeos y más de 80 fotos de la «niñera fotógrafa»
Con una cámara siempre colgada del cuello, la fotógrafa Vivian Maier no dejaba de mirar, analizar y hacer resonar el «click» constante de su cámara cada vez que tenía oportunidad, sobre todo cuando estaba a pie de calle. Una tarea que compaginaba con su oficio, el de niñera, lo que le daba una excusa para estar en constante movimiento tomando fotografías que nunca mostró a nadie. Un trabajo totalmente silencioso y anónimo.
Resulta muy paradójico que, a pesar de tener una vida inmersa en el más completo anonimato, una de las principales modelos de la fotografía de Vivian Maier era ella misma. Cualquier espejo o reflejo era el medio perfecto para retratarse, incluso su sombra proyectada en el suelo o en una pared. Y si no encontraba el medio, directamente desde su cámara, un «selfie» a la vieja usanza que la autora estadounidense sabía realizar mejor que nadie. Porque más allá del autorretrato, la «niñera fotógrafa» trataba también de mostrar la realidad de su tiempo y de la sociedad.
Ahora, estas autofotos que Vivian Maier realizó durante su vida llegan por primera vez a España y, más concretamente, a Valladolid, de la mano del Museo Patio Herreriano. La exposición, titulada «El autorretrato y su doble» muestra 8 vídeos y más de 80 fotos en las que la captadora de imágenes muestra su interés por esta técnica, que se asemeja «a una búsqueda frenética y desesperada de su propia identidad», como apuntó la comisaria de la exhibición, Anne Morin. Una identidad que durante toda la vida de Maier tuvo «de prestado» debido a su principal oficio de niñera y a su afán por pasar desapercibida en todo momento, cualidad que le permitía mostrar el mundo a través de su Rolleiflex sin que nadie notase su presencia.
Un sinfín de variantes
La obra que se muestra en el Museo Patio Herreriano no se trata de autorretratos al uso en los que el autor posa para la cámara, sino de un sinfín de variantes en las que Maier aparece de manera sutil, reflejando perfectamente la compleja personalidad de la autora. Para Morin, los reflejos de su rostro en un espejo, su «obra en la obra» y después su sombra que se expande en el suelo o el contorno de su figura, cada autorretrato de Vivian Maier es «una reafirmación de su presencia en ese lugar, en ese instante». Una suerte de «autofotos» que no podrían estar más alejadas de la moda actual de los llamados «selfies».
Tras haber pasado únicamente por la ciudad que la vio nacer a la autora, Nueva York, esta pequeña parte de la obra de Maier, que al completo la integran más de 120.000 negativos y muchas películas de súper 8, se mostrará en la capital vallisoletana hasta el 23 de abril, para que viaje seguidamente a Trieste (Italia) y, ya en época estival, en Japón.
