Estamos en pleno invierno y por eso no es raro que sea la fecha elegida por Capture the Atlas, un blog norteamericano de fotografía y viajes, para hacer pública su colección anual “Northern Lights photographer of the year”, una selección de las 25 mejores fotografías de auroras boreales capturadas alrededor del mundo y con las que pretenden «inspirar y compartir la belleza de este fenómeno natural«.

‘The tower of sorcery’ de Joaquín Marco

De este blog ya os hablamos el pasado verano cuando os enseñamos estas fotos de la Vía Lactea, con varias de sus imágenes realizadas en nuestro país. Esta vez, por motivos obvios, ninguna de las fotos se ha hecho en España y la mayor parte están tomadas en lugares como Finlandia, Noruega, Islandia o la mismísima Antártida, pero también en algunos países que quizá no se asocian tanto a este fenómeno como Canadá, EE.UU y Australia.

‘Finlandia de noche’ de Kim Jenssen

En el caso de este último lugar (donde se hizo la foto que habéis visto en portada) estaríamos hablando de una aurora austral, ya que si el fenómeno se produce en el hemisferio sur el nombre cambia. En cualquier caso, como os contamos, se trata de un fenómeno producido por la colisión con las moléculas de aire de nuestra atmósfera de partículas provenientes del sol, que llegan atraídas por el campo magnético de la Tierra.

‘Natural Mystic’ de Virginia Yllera

Un espectáculo imprevisible que sólo se puede observar en lugares concretos, en concreto lo más cercanos posible a los polos y lejos de la contaminación lumínica, y que da lugar a increíbles fotografías como las que nos enseña este blog y entre las que, por cierto, contamos con la participación de tres fotógrafos españoles: Joaquín Marco, José Antonio Mateos Fajardo y Virginia Yllera. Por supuesto les felicitamos a ellos y al resto de seleccionados de la lista y os dejamos más imágenes, recomendando una visita a su web para ver más fotos.

‘Noche Antártica’ de Benjamin Eberhardt

‘Convergencia’ de Agnieszka Morwka

‘Ghosts of the fell’ de Petri Puurunen

‘Danza Celestial’ de Sergey Korolev

‘Sobre las montañas de Lofoten’ de José Antonio Mateos Fajardo

Más información y fotos | Capture The Atlas

ÓSCAR CONDÉS@hoskarxataka

La conocida fotógrafa Cristina García Rodero, una de las artistas plásticas más conocidas de nuestro país, premio nacional de fotografía en 1996, primera española en entrar en la Agencia Magnum en 2009 y un montón de reconocimientos más, tiene un nuevo premio que sumar a su trayectoria, el Premio El Ojo Crítico Especial 2020 de RNE.

Un galardón concedido a la fotógrafa de Puertollano por un jurado compuesto por Ignacio Elguero, director de Radio Nacional de España, Mamen del Cerro, directora de los Servicios Informativos de RNE, y Laura Barrachina, jefa del área de cultura de los Servicios Informativos de RNE, quienes reconocen su «carácter pionero» y su «tenacidad para plasmar la esencia del ser humano, que es capaz de encontrar en el interior de la España rural, en la India o en Haití«.

Foto de Cristina Garcia Rodero capturada del vídeo ‘Cristina García Rodero, maestra del retrato en movimiento’

Según el jurado, la fotógrafa «ha enseñado a mirar y a mirarnos y ha abierto caminos para las nuevas generaciones de fotógrafos y fotógrafas que han recogido su testigo«. Por otro lado destacan «su afán por retratar las dualidades y contradicciones de la vida y los ritos que nos guían ha dado como resultado obras extraordinarias, entre las que destaca el histórico libro ‘España oculta’, que quedará como un largo curso de folclore español, tal y como dijo entonces de él Julio Caro Baroja«.

El galardón El Ojo Crítico fue creado por el programa cultural de RNE (decano de la radio española) hace 31 años y, además de un reconocimiento para implusar las carreras de jóvenes talentos, un premio a la trayectoria y el valor de una carrera profesional como la de nuestra gran Cristina García Rodero.

Foto de portada | Cristina García Rodero por Gracia García Rodero

Los certámenes de foto de naturaleza y vida salvaje suelen llamar poderosamente la atención por regalarnos espectaculares fotografías de animales y entornos naturales. Es el caso del Nature Photographer of the Year 2020, un concurso de origen holandés quizá no tan conocido como otros pero que nos trae llamativas imágenes.

Este certamen está organizado por Nature Talks, responsable del festival de fotografía del mismo nombre que todos los años se celebra en los Países Bajos, y cuya edición esta vez fue realizada (por motivos obvios) de manera telemática durante el pasado fin de semana. En ella, aparte de charlas, masterclass y otros contenidos, se hizo pública la relación de ganadores de su habitual concurso que lleva celebrándose desde 2016.‘Big Small’ de Manuel Enrique González Carmona, Highly Commended en categoría ‘Animal Portraits’ del concurso NPOTY 2020

Pues bien, el vencedor de este año, que se lleva el título de «Fotógrafo de naturaleza del año 2020» (según este certamen) y tres mil euros en metálico es el italiano Roberto Marchegiani por su imagen titulada ‘Jurassic Park‘. Una foto ganadora en la categoría Mamíferos que fue realizada en el Parque Nacional Lago Nakuru de Kenia, durante la temporada de lluvias.

Lo curioso es que, en vez de seguir a las jirafas, el autor decidió mantener el encuadre en un punto específico del bosque que le cautivó y esperar pacientemente a que los animales (que había localizado previamente) pasaran por el lugar. «La escena me recordó a un paisaje jurásico —cuenta Roberto— con un dinosaurio herbívoro en la misma posición que la jirafa«.‘A New Immersion’ de Ruben Pérez Novo, Highly Commended en categoría ‘Other Animals’ del concurso NPOTY 2020

Por su parte, el jurado avaló el tono poético de la foto: «tiene un aire a cuento de hadas que va mucho más allá de un documento sobre la vida silvestre. El contraste del bosque oscuro con ramas como relámpagos y la pequeña jirafa, que parece tan inocente, es asombroso. Igualmente sorprendente es la diferencia de escala y la relación entre una naturaleza vibrante y amenazante y el elemento vivo. El resultado, paradójicamente, es una sensación de armonía y paz«.‘Storm Brewing’ de Oscar Diez, Highly Commended en categoría ‘Birds’ del concurso NPOTY 2020

La foto fue elegida entre las ganadoras de las doce categorías a concurso (a las que se suma un premio especial) que, a su vez, fueron elegidas de entre 19.547 imágenes recibidas provenientes de más de 95 países distintos (un récord para la competición). Por supuesto hay participación española destacando el segundo puesto de Antonio Leiva Sánchez en categoría Mamíferos y las menciones logradas en distintos apartados por Oscar Diez, Rubén Pérez Novo, Manuel Enrique González Carmona e Ismael Domínguez Gutiérrez.

Nosotros, como siempre, les felicitamos y os dejamos con las fotos ganadoras de cada apartado, no sin olvidar que podéis pasaros por la web del concurso para ver más interesantes imágenes.

Ganadores Nature Photographer of the Year 2020

Ganador absoluto y categoría ‘Mammals’: Roberto Marchegiani (Italia) con ‘Jurassic Park’:

Roberto Marchegiani/ NPOTY 2020

Finalista: Antonio Leiva Sanchez (España) con ‘Splash!!!’:

Antonio Leiva Sanchez/ NPOTY 2020

Categoría ‘Birds’

Ganador: Andreas Geh (Alemania) con ‘Brambling Togetherness’:

Andreas Geh/ NPOTY 2020

Finalista: Jiri Hrebicek (República Checa) con ‘Restless Sea’:

Jiri Hrebicek/ NPOTY 2020

Categoría ‘Other animals’

Ganador: Samantha Stephens (Canadá) con ‘Nature’s Pitfall’:

Samantha Stephens/ NPOTY 2020

Finalista: Yuhui Hu (China) con ‘Take care’:

Yuhui Hu/ NPOTY 2020

Categoría ‘Plants and Mushrooms’

Ganador: Radomir Jakubowski (Alemania) con ‘Dead Forest’:

Radomir Jakubowski/ NPOTY 2020

Finalista: Kevin De Vree (Bélgica) con ‘Enchanted Forest’:

Kevin De Vree/ NPOTY 2020

Categoría ‘Landscapes’

Ganador: Stanislao Basileo (Italia) con ‘Il bosco incantato’:

Stanislao Basileo/ NPOTY 2020

Finalista: Joshua Cripps (EE.UU) con ‘Electric’:

Joshua Cripps/ NPOTY 2020

Categoría ‘Underwater’

Ganador: Milos Prelevic (Serbia) con ‘In The Hiding’:

Milos Prelevic/ NPOTY 2020

Finalista: Karim Iliya (Líbano) con ‘Striped Hunter’:

Karim Iliya/ NPOTY 2020

Categoría ‘Nature art’

Ganador: Andrea Pozzi (Italia) con ‘Trapped’:

Andrea Pozzi/ NPOTY 2020

Finalista: Alessandro Carboni (Italia) con ‘When the wind blows’:

Alessandro Carboni/ NPOTY 2020

Categoría ‘Man and Nature’

Ganador: Jo-Anne McArthur (Canadá) con ‘Hope in a Burned Forest’:

Jo-Anne McArthur/ NPOTY 2020

Finalista: Stanislao Basileo (Italia) con ‘Vigneti’:

Stanislao Basileo/ NPOTY 2020

Categoría ‘Black & White’

Ganador: Henley Spiers (Reino Unido) con ‘Constellation of Eagle Rays’:

Henley Spiers/ NPOTY 2020

Finalista: Franka Slothouber (Holanda) con ‘Black walnut’:

Franka Slothouber/ NPOTY 2020

Categoría ‘Animal portraits’

Ganador: Adriana Claudia Sanz (Argentina) con ‘I Can Pass?’:

Adriana Claudia Sanz/ NPOTY 2020

Finalista: Craig Parry (Australia) con ‘Contact with the Dwarf Minke’:

Craig Parry/ NPOTY 2020

Categoría ‘Animals of the Lowlands’

Ganador: Bart Siebelink (Holanda) con ‘The apocalypse’:

Bart Siebelink/ NPOTY 2020

Finalista: David Pattyn (Bélgica) con ‘Enjoying the early morning sun’:

David Pattyn/ NPOTY 2020

Categoría ‘Youth 10-17 years’

Ganador: Lili Sztrehárszki (Hungría) con ‘Tiny details’:

Lili Sztrehárszki/ NPOTY 2020

Finalista: Levi Fitze (Suiza) con ‘Morning lek’:

Levi Fitze/ NPOTY 2020

Premio especial Fred Hazelhoff (portfolio)

Ganador: Alejandro Prieto (México) con ‘Border wall project’:

Alejandro Prieto/ NPOTY 2020Alejandro Prieto/ NPOTY 2020Alejandro Prieto/ NPOTY 2020

 Nature Photographer of the Year 2020

Nuestro colega fotográfico José Ramón Vega nos envía información sobre su próxima exposición.

Gracias desde la AFV.

por Cartier Bresson no es un reloj 

Muchas veces, bien porque aún estamos aprendiendo, porque nos sentimos inseguros, perdidos, o porque pasamos por un momento de crisis creativa, nos lanzamos, con mayor o menor desesperación, a la búsqueda de consejos, de fórmulas más o menos probadas, más o menos milagrosas, que alivien nuestras dudas y nos saquen de nuestro particular atolladero.  

Recurrimos a amigos, colegas, profesores y, si se nos ponen a tiro, a profesionales de reconocido prestigio esperando que nos iluminen y nos muestren, o al menos sugieran, el camino. O nos lanzamos a las redes hasta que la ingente cantidad de información disponible y la pesada tarea de filtrarla (lo que vulgarmente se conoce como separar el grano de la paja) acaba por abrumarnos.

Y es que, si algo he aprendido con el tiempo, es que no hay fórmulas mágicas. Y lo que a unos puede servirnos, puede que a otros no les valga de nada. Yo misma escribí aquí mismo un post con 10 consejos para superar una crisis fotográfica, una serie de pautas generales basadas en mi propia experiencia, pero que no son, ni mucho menos, la solución a todos los problemas. Son una guía, nada más, y con ese objetivo las escribí. La solución, como siempre, está en nosotros mismos, en la actitud que tengamos y en el nivel de sinceramiento que mostremos al preguntarnos quiénes somos como fotógrafos (la pregunta más difícil de responder), qué es lo que queremos y cuáles son nuestras aspiraciones.

Por eso esta carta escrita por un profesor a sus alumnos en el lejano 1923 resulta tan efectiva y tan rabiosamente actual, porque apela a nuestra esencia e identidad como fotógrafos, a cómo trabajar y sacar provecho a nuestra pasión, y a cómo vivirla y alimentarla sin perder ni un ápice de algo que es fundamental para todos, no ya solo como fotógrafos, sino como personas: la curiosidad y las ganas de aprender.

La carta dice así:

Todos somos estudiantes, algunos durante más tiempo que otros. Cuando dejéis de serlo, puede que también dejéis de estar vivos en lo que respecta al sentido de vuestro trabajo. Por tanto, puedo decir que os hablo de estudiante a estudiante. Lo que quiero deciros que antes de dedicar tiempo a la fotografía (que, por otro lado, os exigirá mucho) penséis hasta qué punto ésta, la fotografía, es importante para cada uno de vosotros.

Si lo que realmente queréis hacer es pintar, o alguna otra cosa, entonces no hagáis fotos, a menos que lo hagáis por pura diversión. La fotografía no es un atajo para llegar a la pintura, para ser artista o para cualquier otra cosa. Por otro lado, si la cámara y sus materiales os fascinan y estimulan vuestra energía al mismo tiempo que os infunden respeto, aprended a fotografiar.  

Descubrid primero qué son capaces de hacer la cámara y los materiales sin interferencia alguna, únicamente con vuestra propia visión. Fotografiad un árbol, una máquina, una mesa, cualquier trasto viejo; hacedlo una y otra vez jugando con la luz. Observad lo que registra vuestra película, descubrid los resultados que se obtienen utilizando diferentes tipos de papel y gradación. Fijaos en las diferencias de color que se dan al utilizar un tipo de revelador u otro y en qué forma estas diferencias cambian la expresividad de la imagen. El campo es ilimitado e inagotable, y eso sin necesidad de ir más allá de los límites naturales del medio.  

En resumen, trabajad, experimentad y olvidaos del pictorialismo y de otras palabras que, en mayor o menor medida, carecen realmente de sentido.

Mirad libros de autor, asistid a exposiciones, así por lo menos conoceréis lo que han hecho los fotógrafos. Y observad también, y de forma crítica, lo que se esté haciendo en este momento en general y lo que cada uno de vosotros está haciendo.

Algunos han dicho que la fuerza del trabajo de Stieglitz se debe a que hipnotizaba a sus modelos. Id y mirad lo que ha hecho con sus nubes y descubrid si sus poderes hipnóticos se extendían también a los elementos. Observad todas estas cosas. Ved qué significan para vosotros, asimilad lo que podáis y olvidaos del resto. Y, sobre todo, mirad las cosas que os rodean, vuestro mundo inmediato. Si estáis realmente vivos, lo que veáis significará algo para vosotros; y si os interesáis lo suficiente por la fotografía y sabéis como usarla sentiréis la necesidad de fotografiar ese significado.

Si permitís que la visión de otra gente se interponga entre el mundo y vuestra propia visión, lo único que conseguiréis será algo ordinario y sin sentido: una fotografía pictorialista. Pero si conserváis la pureza de vuestra mirada, conseguiréis algo que será, como poco, una fotografía con vida propia, ya sea un árbol o una caja de cerillas, siempre que creáis que estas cosas tienen vida propia.

Para conseguir esto no existen atajos, ni fórmulas, ni reglas; únicamente, y en todo caso, las que rigen la vida de cada uno de nosotros. Aun así, resultan indispensables la autocrítica más rigurosa y el trabajo constante. Pero primero, aprended a fotografiar. Para mí esto es ya un problema sin fin.

Algunos ya lo habrán adivinado pero el autor de esta carta no es otro que el gran fotógrafo Paul Strand, uno de los nombres imprescindibles en la historia de la fotografía. Strand, además de un gran fotógrafo que inició toda una revolución con la fotografía directa (una de cuyas fotos, ‘La mujer ciega’, fue la que inspiró al mismísimo Walker Evans) y de ser uno de los fundadores del documentalismo moderno, fue también profesor de fotografía, y este texto lo escribió en 1923, hace casi 100 años, pensando en sus alumnos.

En la carta hay un par de detalles que delatan la época en la que fue escrita (la referencia a la película fotográfica, ese rechazo casi visceral al pictorialismo) pero es casi imposible que un texto no delate, en mayor o menor medida, el momento histórico en que fue escrito. Sin embargo, en el caso del de Strand, su contenido, visión y voluntad trasciende el tiempo. Y lo hace porque apela a conceptos y actitudes que, a la vez que sencillos y comunes, son básicos para la práctica fotográfica y, me atrevería a decir, para disfrutar de la propia vida.

Nadie discutirá la necesidad de tener los ojos abiertos para hacer fotos, pero a veces se nos olvida que tan necesario como eso es mantener la mente abierta y alimentar la curiosidad. Strand lo hizo, y fue la curiosidad por las posibilidades de la imagen (no sólo de la fotográfica, pues también se dedicó al cine, pero esa es otra historia) la que le hizo explorar los límites de la cámara, la película y el revelado, y de las propias reglas de representación. Echad, por ejemplo, un vistazo a sus maravillosas abstracciones, todo un ejercicio y un deleite de formas y luz.

Tal y como refleja el tono utilizado en el texto las dos veces que se refiere al pictorialismo, al fotógrafo neoyoquino no le dolieron prendas al abandonar su primera apuesta estilística (la del pictorialismo) y adentrarse en una mirada radicalmente diferente (la fotografía directa) que era más acorde con su forma se mirar y “sentir” el mundo que le rodeaba. El suyo fue un ejemplo de sinceramiento con su labor artística y de compromiso con su visión del mundo. Después, iría evolucionando hacia una fotografía de corte más marcadamente humanista.

Por esas casualidades del azar y de la vida, fruto de ese afán por experimentar y por probar nuevas formas de aproximación a aquello que fotografiaba surgió la que es, probablemente, su foto más famosa, la de la mujer ciega, tomada al principio de su carrera, en 1916. Esta foto se ha convertido con el tiempo en un icono de la fotografía de denuncia social, pero lo que Strand buscaba al hacerla, reconocido por él mismo, era probar, por un lado, las posibilidades formales y metafóricas del propio medio, y por otro, probarse a sí mismo su habilidad para acercarse a los sujetos sin interferir en la escena (que la mujer fuera una invidente, en ese sentido, es parte de la anécdota que rodea la foto).

Ya en aquella época, recordemos que hablamos de 1923, Strand es consciente y señala la importancia de ver fotografía, ya sea en libros o exposiciones, de ser curioso con respecto al trabajo de los demás, las tendencias del momento… Y serlo con una mirada crítica y abierta. Pero, y esto también lo señala Strand, sin olvidar echar un ojo a nuestro propio trabajo, no para hacer comparaciones, sino para tener una base crítica que nos facilite y nos invite a la reflexión. Sin ello, jamás conseguiremos avanzar y redescubrirnos como fotógrafos.

De cada trabajo que miremos, y de cada fotógrafo que descubramos, de sus pulsiones, intereses, conflictos y diferentes dimensiones, podemos sacar, al menos, una pequeña enseñanza, una pista, en forma de imagen o idea que nos sirva para seguir averiguando qué es lo que queremos hacer y cómo hacerlo (o, incluso, cómo no hacerlo). Se trata de ir encontrando y atesorando aquello que nos inspira y nos mantiene vivos fotográficamente, y desechar el resto, algo esencial en una época como la nuestra, donde la ingente cantidad de material visual y académico a la que tenemos acceso acaba por emborronar nuestro ojo y nuestra mente.

Por eso, como apunta Strand, es con el análisis de nuestra fotografía, nuestra sincera (y difícil a la vez que valiosa) autocrítica y nuestro amor por lo que hacemos y por quiénes somos cuando sujetamos una cámara, como veremos realmente hacia dónde nos lleva nuestra mirada, y si es en esa dirección en la que queremos ir.  Siempre hay tiempo para sentarse a pensar y, sobre todo, a mirar.

por Cartier Bresson no es un reloj 

Evidentemente, yo sabía que mi madre hacía fotos todo el tiempo. Lo sorprendente es que nunca compartiera sus fotos con nadie, ni siquiera con su familia.

Es la primera línea del texto con el que Asya Ivashintsova-Melkumyan presenta el sitio web dedicado a la obra fotográfica de su madre, la hasta ahora desconocida Masha Ivashintsova.

Autorretrato de Masha Ivashintsova (imagen recortada)

Muchos la han comparado con Vivian Maier, incluso tendría su equivalente catalana en Milagros Caturla. En el caso de Maier y Caturla los negativos de sus fotos fueron adquiridos por desconocidos y a precios irrisorios en una subasta y en un mercadillo callejero respectivamente, cuando ambas ya habían fallecido. Eran tesoros olvidados, trabajos de indudable valor documental y artístico que permanecieron ocultos durante décadas, hasta que el azar y la curiosidad de unos desconocidos los sacaron a la luz.Vivian MaierMilagros Caturla

El caso de Ivashintsova es muy parecido. Fueron su hija y su marido quienes descubrieron cerca de 30.000 fotografías sin revelar en el ático de su casa, donde habían acumulado polvo y suciedad durante años, hasta que unas obras de reforma hicieron que la pareja revisara el contenido de unas viejas cajas.

Acumuló sus carretes en el ático y rara vez los revelaba, así que nadie pudo nunca apreciar los frutos de su pasión. Esos carretes permanecieron en el ático de nuestra casa en Pushkin, San Petersburgo, donde originalmente los guardó, después de su muerte en el año 2000. Hasta hace poco. Mi marido y yo encontramos los carretes mientras hacíamos una reforma de la casa y revelamos algunas de las fotos. Estaban sacadas entre 1960 y 1999. Lo que vimos fue asombroso.

Desfile en Leningrado, 1975. Foto: Masha Ivashintsova

Pero los paralelismos entre Ivashintsova, Maier y Caturla terminan ahí. La fotógrafa rusa no fue una solitaria patológicamente celosa de su intimidad como Vivian Maier, ni mostró jamás sus fotografías a nadie, como sí hizo Milagros Caturla, que perteneció a la Agrupació Fotográfica de Catalunya y participó en varios concursos de fotografía para amateurs.

Masha Ivashintsova nació en 1942 en Ekaterimburgo, Rusia, en el seno de una familia aristocrática cuyos bienes, entre los que había un lujoso apartamento en el centro de Leningrado, fueron confiscados por las autoridades tras la revolución bolchevique.

Leningrado, 1976. Foto: Masha Ivashintsova

Cuando era niña, y animada por su abuela, Ivashintsova comenzó a formarse como bailarina de ballet. Sin embargo, al morir su abuela, sus padres decidieron que dejara las clases y asistiera a una escuela técnica.

Truncadas sus aspiraciones artísticas, Ivashintsova pasó por varios trabajos (crítica teatral, bibliotecaria, ingeniera de diseño, mecánica de ascensores, guardia de seguridad…) mientras su vida personal se volvía cada vez más turbulenta.

Asya y su padre, Melvar Melkunyan. Foto: Masha Ivashintsova

Mi madre estuvo muy metida en el movimiento poético y fotográfico de Leningrado entre 1960 y 1980. Fue la amante de tres genios de la época: el fotógrafo Boris Smelov, el poeta Viktor Krivulin y el lingüista Melvar Melkumyan, que es mi padre.

Su amor por estos tres hombres, tan diferentes entre ellos, marcó su vida, la obsesionó por completo, pero también la destrozó. Ella estaba convencida de que su talento palidecía ante el de ellos y, en consecuencia, nunca mostró sus fotografías, sus diarios y sus poemas a nadie durante toda su vida.

Viktor Krivulin, 1979. Foto: Masha Ivashintsova

El poeta Viktor Krivulin fue una de las personas clave en la vida de mi madre. Fue su amante durante muchos años. Según ella, él fue su primer gran amor. Estuvieron juntos, luego se separaron, luego estuvieron juntos de nuevo, y luego se separaron de nuevo. Estuvieron así durante años.

Masha dedicó muchas páginas de su diario a su relación: “Cuando estoy a solas con Viktor, es como si no pudiera desear nada mejor. Ni siquiera importa lo que él diga. Él habla y sus palabras son como agua revitalizante. Oigo algo dentro de mi pecho, puedo respirar de nuevo y siento la vida en la punta de la lengua. Sus palabras… Nado en ellas como un pez y siento que mi cuerpo cede a la corriente. Sus palabras me llevan lejos”.

Melvar Melkunyan, ya separado de Masha. Foto: Foto: Masha Ivashintsova

La relación con el padre de su hija, Melvar Merkunyian, tampoco fue fácil. Masha la describió así en uno de sus diarios:

“Melvar es un maestro desconocido, inalcanzable e intocable. Hubo un momento en que él tenía amor en su interior y un deseo de arrancarme de la repugnante San Petersburgo, de esta ciudad que es como una ciénaga. Me torturó con su voluntad, me encerró, intentó quebrantarme con sus palabras. Le odiaba. Pero debido a mi impotencia interior no podía dar un paso sin él. Y, habiendo escapado, después de haber estado un tiempo fuera, volvía otra vez a mi ‘maestro atormentador’. Y luego, otra vez, lo abandonaba sintiéndome como una virgen pura, sin pecado. Fue él quien cargó con mis pecados”.

Masha y el fotógrafo Boris Smelov

En 1974, Masha conoció a Boris y se enamoraron. Se encontraron en un tren que hacía el trayecto de Moscú a Leningrado. En aquel momento, mi madre iba a mudarse a Moscú para reunirse con mi padre (y conmigo) después de varios años de amarga separación. Iba a Leningrado para recoger sus cosas, pero estos planes cambiaron después del encuentro casual con Boris.

La fotografía se tomó en el apartamento de mi abuela materna en San Petersburgo, donde yo también pasé bastante tiempo cuando era pequeña. Boris tiene en sus manos uno de los modelos de Leica más famosos de la década de 1960, la Leica IIIc.

Boris vivió una vida muy humilde, se las veía y deseaba para tener algo de dinero. Sin embargo, ahorró con devoción para tener la mejor cámara. Más tarde, le regaló esta Leica a Masha, un regalo que ella usaría mucho en los años siguientes.

Familia armenia, 1989. Foto: Masha Ivashintsova

Esta frase es de uno de los diarios de mi madre:

“Yo amé sin memoria: ¿no es eso un epígrafe para ese libro que no existe? Nunca tuve un recuerdo para mí, pero siempre lo tuve para otros”.

Leningrado, 1977. Foto: Masha Ivashintsova

Masha hacía fotos constantemente, era parte de su día a día, la respuesta a un instinto vital que no podía frenar. Sus fotos son un testimonio de gran valor documental, pero en ellas se vislumbra también cierto toque poético.

Sentía una inmensa curiosidad por el mundo que la rodeaba y tenía especial predilección por los niños y los animales.

Vologda, 1979. Foto: Masha Ivashintsova

Mi madre aprovechó cada oportunidad que tenía para viajar y explorar el mundo que la rodeaba. En una carta que me envió desde Vologda en 1979, escribió: “En Vologda hay mucha de la vieja Rusia de madera (casas de madera, contraventanas talladas). Todo esto está arraigado en el pasado, pero también se está convirtiendo en parte del pasado. Es imposible guardarlo de cara al futuro, así que al menos estoy intentando captarlo con mi cámara“.

Armenia, 1976. Foto: Masha Ivashintsova

Recuerdo a esta anciana, la conocimos durante nuestra visita a Armenia. Estábamos visitando uno de los pueblos junto al lago Sevan. Esta mujer nos vio pasar por la calle y nos invitó a su casa. Ella hablaba armenio todo el tiempo, no entendíamos ni una palabra. Pero sentimos la calidez de sus palabras y la calidez del pan que ella ofreció. Después de compartir el pan, mi madre le sacó esta foto.

La frustración de creer que su arte no tenía nada que hacer frente al genio de aquellos que la rodeaban y los desengaños amorosos la llevaron a una depresión tan profunda que en 1981 tuvo que dejar de trabajar. En la URSS, estar desempleado era prácticamente un crimen y a Masha le dieron a elegir entre ir a prisión o ingresar en un centro psiquiátrico. Ella optó por esto último.

Moscú, 1983. Foto: Masha Ivashintsova

Vivió años de profunda infelicidad en varios hospitales psiquiátricos de la URSS, en penosas condiciones, en la época en la que el régimen soviético buscaba estandarizar a las personas y obligarlas a vivir según las reglas comunistas.

Mi madre tuvo una relación difícil con el comunismo. Acabó siendo acosada por el partido en el poder y tuvo que comprometerse a ingresar en un psiquiátrico en contra de su voluntad para su “higienización social”. Se dieron cuenta de que ella nunca podría integrarse en el mundo uniformador y de exaltación socialista que la rodeaba.

Leningrado, 1978. Foto: Masha Ivashintsova

Tres años antes de su ingreso, Masha fotografió un mono encadenado asomado a una ventana. Al hilo de esta imagen, su hija afirma:

A veces, creo ver una advertencia, una especie de premonición en su fotografía.

Leningrado 1976. Foto: Masha Ivashintsova

En 1993, la casualidad hace que Masha se encuentre en la calle con el fotógrafo Boris Smelov, su antiguo amante. Su hija relata ese encuentro:

No se habían visto durante más de una década. El día de su encuentro, Masha tomó una foto de Boris y luego Boris usó la cámara de Masha para hacerle una foto a ella. Me duele el corazón cada vez que miro esas dos imágenes. Veo a dos seres humanos agotados y arrasados por el tiempo.

Boris Smelov, 1993. Foto: Masha Ivashintsova

Boris murió cinco años después. El 24 de enero de 1998, Masha escribió en su diario:

“Borya (Boris) Smelov ha muerto. Ha muerto en la calle, no muy lejos de nuestra casa. Se congeló hasta morir a la intemperie. Ha muerto. El amor se ha ido. Hoy hemos ido a su funeral en la iglesia que está junto al cementerio de Smolensky. Vino mucha gente (…). Besé la frente sin vida de Borya. Recé junto a Vitya (Víktor) Krivulin. Sostuve una vela, llevé unas flores y arrojé un puñado de tierra sobre su ataúd. En casa, después de hablar con Asya, lloré mucho. Qué pérdida tan terrible y amarga”.

Viktor Krivulin, Crimea, 1979. Foto: Masha Ivashintsova

No es extraño que Víctor Krivulin, el otro amante de Masha, acudiera al funeral de Boris. Los tres hombres de la vida de la fotógrafa rusa se movían en el mismo ambiente artístico, y eran, además, figuras importantes dentro del mismo.

Ivashintsova narra en su diario otra situación que demuestra el estrecho círculo que formaban:

“Esta noche Melvar ha vuelto de su cita con Mikhaile Schwartzman (artista vanguardista de Leningrado y amigo cercano tanto de Melvar como de Viktor Krivulin). Ha traído una carpeta con los versos de Krivulin. ¡Cuánto dolor en mi corazón! Lo que parece imposible en la vida real puede ser posible en el reino del espíritu. Dos enemigos celosos se encontraron esta noche en una habitación. Se conocieron a través de sus creaciones y sus creaciones fueron la razón por la que viví y amé”.

Asya con su perro, 1980. Foto: Masha Ivashintsova

Masha murió el 13 de julio del 2000, a los 58 años, en brazos de su hija Asya, víctima de un cáncer.

La mayor parte de los 30.000 negativos encontrados en 2017 están aún sin revelar. Es su propia hija quien se está encargando de ellos y de darlos a conocer a través de una web dedicada a la obra de su madre. Como en la citada foto del mono, Asya ha encontrado varias imágenes en las que percibe una profunda simbología.

Perro en el lago, 1978. Foto: Masha Ivashintsova

Para mí, esta fotografía es una metáfora de la vida de mi madre: sola, en un hermoso vacío. Sola, pero también en el centro, siendo el sujeto que todo lo capta, sin el cual la belleza no existiría. Masha mantuvo sus obras en nuestro ático porque su fotografía no se hizo para ser exhibida o expuesta. Fueron fruto de su intento constante de comprender las sombras del mundo interior y del exterior. Eran dolor, alegría y la manifestación de la vida misma, al igual que la vida de la propia Masha.

Queda aún mucho por descubrir en la obra de Masha Ivashintsova, una mujer que vivió rodeada de hombres de talento a los que dotó de un aura de excepcionalidad que la enterró a ella misma como artista. La fotografía era su vida, pero una vida que, según ella, no merecía ser mostrada.

Autorretrato. Foto: Masha Ivashintsova

Veo a mi madre como un genio, pero ella no se veía a sí misma como tal y nunca dejó que nadie más la viese como realmente era.

A través de su web, y con la ayuda de amigos y familiares, Asya quiere mostrar la obra de su madre y conseguir el reconocimiento merecido que nunca tuvo. Tal y como explica en la web,  “esperamos que las obras de Masha y su historia lleguen al alma de muchas personas”.

Gracias a la popularidad de los drones, la fotografía aérea está adquiriendo cotas que hace unos años eran impensables. Hoy están muy de moda, y no podemos negar que la sugerente perspectiva que ofrecen permite ver fotos muy sugerentes. Por eso no es de extrañar que aparezcan nuevos certámenes fotográficos como los Aerial Photo Awards 2020 que aquí os mostramos.

‘The Humpbacks’ de Albert Dros, finalista en categoría Wildlife de los Aerial Photography Awards 2020

Hace poco ya os enseñamos las ganadoras de otro concurso de origen italiano, y esta vez se trata de uno francés que es de nuevo cuño y se ha creado para premiar, con hasta diez mil dólares, imágenes de fotógrafos de todo el mundo realizadas desde el aire, ya fuera con drones o desde helicópteros, cometas, globos o aviones.

La organización no da datos concretos sobre la participación (aunque habla de «miles») pero sí que han concurrido autores de 65 países y que «para una primera edición, la calidad y diversidad de las fotografías premiadas demuestra la evolución de la fotografía aérea y los estándares que ha alcanzado en la actualidad. Los fotógrafos aéreos demuestran su capacidad para asombrarnos«.‘Anchovy Catching’ de Thien Nguyen, segundo puesto en categoría Daily Life de los Aerial Photography Awards 2020

En cuanto a los premiados, en este caso no existe una imagen que haya resultado ganadora absoluta, pero sí un fotógrafo que se erige como el «Aerial Photographer of the year 2020» al haber sido premiado en varias de los 22 apartados en que se divide el concurso. Se trata del belga Sebastien Nagy, quien logró que seis de sus fotos fueran premiadas por el jurado, dos de ellas como ganadoras de su categoría.

Seguramente por eso Bélgica es el país más premiado del concurso, seguido por Rusia y Reino Unido; desgraciadamente, no hay ningún premio para España, aunque una de las fotos del premiado Nagy fue realizada en nuestro país, en concreto en Gran Canaria. También podemos destacar el primer puesto en categoría ‘Sports‘ para Brad Walls, de quien os mostramos un trabajo hace sólo unos meses.‘Tri explosion’ de Marc Le Cornu, finalista en categoría Sports en los Aerial Photography Awards 2020

En cualquier caso, felicitamos a todos los ganadores y os dejamos con las fotos ganadoras de cada categoría, además de recomendar, como siempre, una visita a la web para ver más interesantes imágenes aéreas.

Ganadores del concurso Aerial Photo Awards 2020:

Categoría Daily Life: Duy Sinh por ‘The Lady of the Sea’

Categoría Trees & Forests: Mehmet Aslan por ‘Forest Path’

Categoría Constructions: Bachir Moukarzel por ‘The Frame’

Categoría Transportation: Alexander Sukharev por ‘Fairway of the Gulf of Finland’

Categoría Industrial: Joel Jochum por ‘Energy Storage’

Categoría Wildlife: Hua Shang por ‘Flying Flamingos’

Categoría Cityscapes: Sebastien Nagy por ‘Abstract Greece’

Categoría Abstract: Johan Vandenhecke por ‘Tatacoa desert’

Categoría The World in Lockdown: Prabu Mohan por ‘We are in It Together’

Categoría Hotels: Sebastien Nagy por ‘Chromata’

Categoría Enviroment: Azim Khan Ronnie por ‘Flood Water has Damaged Crops’

Categoría Sports: Brad Walls por ‘Ball up’

Categoría World Culture: Azim Khan Ronnie por ‘Eid-Congregation’

Categoría Travel: Yiran-Ding por ‘Shanghigh’

Categoría Water: Kyle Vollaers por ‘Arctic Paradise’

Categoría Documentary: Marc Le Cornu por ‘Fire Attack’

Categoría Abandoned places: Reginald Van de Velde por ‘The Wreck’

Categoría Patterns: Daniel Bonte por ‘Umbrella Crossing’

Categoría Accommodations: Kevin Krautgartner por ‘Colors of Dubai’

Categoría Landscapes: Sebastian Muller por ‘Skyggnisvatn’

Categoría Other: Ryan Koopmans por ‘On the Edge’

Categoría Digitally enhanced: Cassio Vasconcellos por ‘Airplanes’

Más información | Aerial Photography Awards

‘Umbrella Crossing’ de Daniel Bonte. Ganador en categoría Patterns de los Aerial Photo Awards 2020

Con once ediciones a sus espaldas, el certamen australiano ‘The Epson International Pano Awards’ se ha convertido ya en un referente dentro de la fotografía panorámica. Por eso, cuando nos enseñan los ganadores de su concurso podemos decir que estamos ante las mejores imágenes de este tipo del año; y estamos de enhorabuena porque entre ellas hay varias realizadas por españoles, empezando por el elegido como ‘Amateur Photographer of the year‘.

Este año, la organización declara una participación de 5.859 imágenes provenientes de 1.452 fotógrafos (profesionales y aficionados) de 96 países, «un récord para sus once años de historia» que les lleva a hablar de “un año para recordar» (en todos los sentidos), en el que «el mundo cambió y nosotros duplicamos el trabajo y nos pusimos manos a la obra, y el resultado es un año récord para los premios Pano… Estamos abrumados con el nivel de apoyo de los participantes y patrocinadores.»Foto de Jesús M.Chamizo, TOP 50 en categoría Profesional Built Environment/Architecture de los Epson Pano Awards 2020

Desde luego los números son mejores que los de la pasada edición, incluyendo unos premios valorados en 40 mil dólares, la mayoría en productos de patrocinadores como Epson (que da nombre al concurso desde sus comienzos) y Nikon, incluyendo un total de diez mil dólares en metálico.

El mayor premio de todos fue para el canadiense Matt Jackisch que se lleva el título principal ‘Open Photographer of the Year’ por la foto ‘Spring Hibernation‘ que habéis visto en portada. Una imagen que realizó tras “un día maravilloso haciendo raquetas de nieve en las BC Coast Mountains en marzo. Con una capa de nieve tan profunda, quedaba mucho invierno en lo más alto«.Foto de Lourdes Gómez Fernández, TOP 50 en categoría Amateur Built Environment/Arquitecture de los premios Epson Pano Awards 2020

Según el autor, la foto de una copa de un árbol sobresaliendo en la gruesa capa de nieve fue «producto de la soledad y la atención […] cuanto más tiempo paso solo en la naturaleza, más tranquila se vuelve mi mente; y cuanto más tranquila está mi mente, más sutilezas noto en mi entorno. Gracias a eso puede ver este árbol«.

Esta imagen fue elegida ganadora por el jurado en la categoría Open Nature/Landscape, que es una de las dos que vertebran la categoría profesional del concurso. La otra es Built Environment/Architecture, en la que venció la foto ‘Mine Waste’ del australiano Colin Leonhardt.

EN XATAKA FOTOSeis razones a favor de usar el formato panorámico en nuestras fotografías

Por lo que toca al concurso para fotógrafos amateur, como ya adelantábamos (y ya ocurrió el año pasado) el ganador es un español. En concreto el madrileño Juan López Ruiz por ‘Light and Dark on the Towers‘, una espléndida foto en blanco y negro de dos de los edificios que componen el conocido complejo Cuatro Torres.Foto de José Antonio Fajardo, TOP 50 en categoría Amateur Nature/Landscape de los premios Epson Pano Awards 2020

Una foto vencedora en categoría Built Environment/Architecture de la que su autor comenta: «Me gustó mucho la composición de las torres junto con una de las marquesinas de la zona. Hice la toma pensando en hacer un procesado digital en blanco y negro y mejorar el contraste agregando sombras y luz para crear una imagen más impresionante«.

Además, en esta categoría el subcampeón, vencedor en la categoría Open Nature/Landscape, fue el también español Carlos F. Turienzo (que ya el año pasado se llevó el premio al mejor fotógrafo amateur), por su trabajo ‘Janela’ realizada en la isla de Madeira. Además, en casi todas las categorías hay algún otro español seleccionado dentro del TOP 50.Foto de Julio Castro Pardo, TOP 50 en categoría Amateur Nature/Landscape de los premios Epson Pano Awards 2020

Por ello, además de felicitar a los vencedores, esta vez más que nunca os emplazamos a visitar su web para ver todas las imágenes ganadoras y os dejamos con las de los ganadores de las principales categorías:

Ganadores de los premios ‘The Epson International Pano Awards 2020’

Categoría ‘Open Nature/Landscape’

Ganador y ‘2020 Epson International Pano Awards Open Photographer of the Year’ Matt Jackisch (Canadá) con ‘Spring Hibernation’:

Subcampeón: Manish Mamtani (EE.UU) con ‘Dragon Eye’:

Tercer puesto: Laurent Lacroix (Francia) con ‘Quivertree Forest Under The Stars’:

Categoría ‘Open Built Environment/Architecture’

Ganador: Colin Leonhardt (Australia) con ‘Mine Waste’:

Subcampeón: Steve Scalone (Australia) con ‘Untitled’:

Tercer puesto: Afshin Jafari (Australia) con ‘The Mind Game’:

Categoría ‘Amateur Nature/Landscape’

Ganador y ‘Amateur Photographer of the Year’ Juan López Ruiz (España) con ‘Light and Dark on the Towers’:

Subcampeón: Daniel Trippolt (Austria) con ‘Startrails over Bled’:

Tercer puesto: Juan López Ruiz (España) con ‘Night Palace’:

Categoría ‘Amateur Built Environment/Architecture’

Ganador: Carlos F. Turienzo (España) con ‘Janela’:

Subcampeón: Vitaliy Novikov (Rusia) con ‘Under the north star’:

Tercer puesto: Krzysztof Browko (Polonia) con ‘Church’:

Más información y fotos | Epson International Pano Awards

En este año marcado por la pandemia, en el que tanto nos ha cambiado la vida, Tino Soriano presentó ‘Fotografía con una sonrisa’, una nueva apuesta de Anaya Photoclub para ayudar a todos los fotógrafos a aprender que la fotografía no es solo dominar los programas de edición, sino pensar y sobre todo disfrutar el momento del disparo.

En el mercado editorial abundan los libros técnicos de fotografía… Cómo hacer esto con Capture One, cómo hacerlo con Photoshop o con Lightroom, aprende a hacer fotos con el móvil cada año… La técnica es imprescindible y hay obras imperecederas en el mercado (otras se olvidan fácilmente).

En los últimos años están publicando libros que se olvidan de los aspectos técnicos y nos ayudan a pensar en fotografía. Hay grandes clásicos, como los escritos por Susan Sontag o Roland Barthes. Es verdad que no son lecturas fáciles pero alumbran mucho a quien las lee.

Portada del libro

Tino Soriano lleva 40 años enseñando fotografía. Ha publicado libros sobre la fotografía de viajes que muchos conservamos en nuestra biblioteca. Y en 2019 presentó ‘¡Ayúdame a mirar La biblia del reportaje gráfico’, un manual que enseguida se convirtió en un clásico. Y un año más tarde tenemos entre manos ‘Fotografía con una sonrisa’, un libro que nos permite pensar en la imagen de una forma más relajada.

‘Fotografía con una sonrisa’, un buen libro para los malos tiempos

Este nuevo libro de Tino Soriano, de 240 páginas y lleno de fotografías del autor deja claro desde el principio, desde la primera línea, que la fotografía no es solo estética, sino también emoción. algo que se olvida por muchos empeñados en demostrar más su destreza con los programas informáticos que con la propia cámara.

Tino Soriano

A lo largo de 11 capítulos, con títulos que resumen lo que van a contar – ‘Fotografía a tu amadísima familia’, ‘Utiliza los grafismos’ o ‘Atentos a lo inesperado’-, el fotógrafo escritor va desgranando las claves para disfrutar con una cámara entre las manos. Esta es la función de este libro: ser feliz con la cámara.

-Fotografía con una sonrisa recomienda tomarse la fotografía de otra forma. En estos tiempos que nos ha tocado vivir ¿qué puede aportar la fotografía para ser más feliz?

Es una evasión psicológica natural. Muchos aficionados a la fotografía han aprendido con la pandemia que el mundo que les rodea, sin necesidad de viajar miles de kilómetros, también puede ser interesante. De repente han descubierto los rostros de sus seres queridos, de sus mascotas, la fotogenia de los rincones de su propia vivienda, o de su calle o de su pueblo. Y a través de la fotografía se han acercado a ellos de una manera diferente a como lo habían hecho hasta ahora. La felicidad está en reconocer las cosas buenas que te rodean y, en este aspecto, la fotografía es a la vez una inspiración y una constatación.

La felicidad está en reconocer las cosas buenas que te rodean y, en este aspecto, la fotografía es a la vez una inspiración y una constatación.

Tino Soriano ha viajado por todo el mundo y ha publicado en gran cantidad de medios. Siempre ha sido un fotógrafo cercano, en todos los sentidos. Es verdad que ha estado a los pies del Everest pero nunca ha dejado de retratar su hogar, su querido lago Banyoles.

‘Fotografía con una sonrisa’ es para todos los fotógrafos, para los aficionados y para los que empiezan a disfrutar. Así como el libro anterior se puede llegar a considerar un libro de texto, un ensayo, este es más cercano y más adecuado para los que quieren conseguir buenos recuerdos y si las sensaciones le acompañan, llegar a ser fotógrafo.

-Has publicado muchos libros de fotografía, pero en los últimos años te has volcado en tu actividad docente y has presentado ‘Ayúdame a mirar’ y ‘Fotografía con una sonrisa’ ¿Cómo ha sido escribir estos libros?

Tino Soriano

Ahora que estoy en el otoño de mi carrera, en aquella fase que todo el mundo te llama maestro pero casi nadie te encarga nada, me apetecía compartir lo que he aprendido después de cuatro décadas ejerciendo la fotografía. Tengo previsto preparar una serie de libros docentes que profundicen en lo que han sido mis grandes temas.

Así ‘Los secretos de la Fotografía de Viajes’ es un canto a la ética y a priorizar las experiencias por encima de las fotos tópicas de las vacaciones, `Ayúdame a mirar´, que ha recibido el Premio Nacional al mejor libro de Fotografía publicado en 2020 por la CEF y lleva 5 ediciones en quince meses, lo he escrito durante un cuarto de siglo para responder a las cuestiones más debatidas del fotoperiodismo.

En cambio `Fotografía con una sonrisa´ es un canto a las imágenes que puede hacer cualquiera sin viajar lejos, siempre que tenga algo que compartir. Y para el año que viene saldrá un nuevo libro sobre el que he estado meditando toda mi vida profesional: el uso del color y las emociones en el momento de la toma.

En una entrevista que hice este verano a través de El club de fotografía, empezó con toda una declaración de intenciones que habla muy bien de la realidad de los fotógrafos profesionales en la actualidad. Por este motivo no hace falta obsesionarse por hacer la mejor foto. Tan solo tenemos que contar las mejores historias.https://www.youtube.com/embed/r4dr4HQou5w?enablejsapi=1&origin=https://www.xatakafoto.com

-Una de las cosas que más me gusta de tu último libro es la tipología de los fotógrafos que desarrollas… ¿Es posible cambiar? ¿Cómo recomendarías cambiar?

Bueno, estas tipologías están pensadas para que la gente se reconozca y así sepa de qué pie cojea. Ya se sabe que vemos antes los defectos de los demás; algo parecido a lo que sucede con la edición gráfica: reconocemos a la primera las fotos de otro que están mal, pero somos bastante miopes con las nuestras.Tino Soriano

Y, desde luego, libros como ‘Fotografía con una sonrisa’ están escritos para aportar soluciones prácticas y fáciles que nos conviertan en mejores fotógrafos. No certifico que después de leer mis libros ganes el World Press Photo, pero sí que serás mejor fotógrafo. Por lo menos si consideras lo que te cuenta alguien que lleva cuarenta años ejerciendo este oficio.

-¿Cuál es la mejor actitud para convertirse en fotógrafo?

Tomar menos fotos y mirar más. No se trata de practicar la pesca de arrastre y luego comprobar si entre los animales capturados hay uno valioso, sino de dedicar la jornada a pescar este ejemplar único, con la ventaja de que una foto, en lugar de privarle la vida, le proporciona una cierta inmortalidad… el secreto es ser perseverante, observador, paciente y un poco pillo.

EN XATAKA FOTOCuatro libros de fotografía para leer de una vez por todas

Es un libro que a muchos nos ha venido bien tener al lado durante estos meses, para pensar y disfrutar (más) de la fotografía. Es una buena ocasión para reirte y reflexionar. Tenemos que estar atentos a todo, porque todo lo podemos rellenar con este diario en imágenes que es la fotografía. Y ‘Fotografía con una sonrisa’ nos lo recuerda sin falta.’Fotografía con una sonrisa’

Autor: Tino Soriano

Nº de páginas: 240

Formato: 18,50 x 24,00 cm

P.V.P.: 24,95 €

Anaya PhotoClub

En el mundo de la fotografía se puede trabajar de muchas formas. En soledad es una de las mejores formas de hacerlo. Evitas distracciones, estás pendiente de todo lo que te rodea y tienes la posibilidad de encontrar la foto que estamos buscando desde que la vimos en nuestra cabeza. Salir solo a hacer fotos puede que no sea lo más divertido pero mejoraremos como fotógrafos.

La fotografía cada vez es más popular. Nunca se han hecho tantas fotos por segundo ni tantas personas tenían una cámara para expresarse. Todo el mundo se autorretrata, muestra la felicidad de estar junto a los amigos, la familia o la pareja.

Esos disparos son perfectos. Normalmente la fotografía es como el pensamiento. Al final quedan los recuerdos felices. Y normalmente es cuando estamos acompañados. Pero los buenos fotógrafos, esos que aparecen en las enciclopedias o que se recuerdan constantemente en los artículos de internet, trabajan solos. Cámara al hombro y a recorrer kilómetros en su barrio, su ciudad, su país o el mundo entero.

Normalmente la fotografía es como el pensamiento. Al final solo quedan los recuerdos felices. Y normalmente es cuando estamos acompañados. Pero los buenos fotógrafos, esos que aparecen en las enciclopedias o que se recuerdan constantemente en los artículos de internet, trabajan solos.

La concentración es básica para fotografiar. Es un trabajo al que hay que dedicarle tantas o más horas que cualquier otro. Es lo que la gente que empieza no suele entender. Los que piensan que hacer fotografías es fácil y que no tienes más que dar un botón. Que es un mero acto mecánico.

Hacer fotos es bastante más. El disparo es solo un gesto al final. Para llegar a él hemos tenido que aprender, pensar y trabajar mucho. Y todo esto es un recorrido solitario con toda la ayuda que hayamos podido reunir en el camino.

Pero llegará el momento en el que tendremos que andar solos para conseguir lo que queremos. Ahí nos daremos cuenta de si servimos para este mundo o debemos buscar otras formas de expresión.

Hacer fotos hoy en día

Seguro que muchos de vosotros estáis deseando las vacaciones (aquí hay uno que está soñando con ellas). Pero llega la realidad: la familia, los niños, los amigos, el calor, el me aburro, el vamos a tomar algo que esto es un rollo, el ni loco me voy a esas horas a dar una vuelta por el monte… Las vacaciones como las entienden muchos.

Y tampoco puedes convertir a tus acompañantes en las víctimas de tu mundo perverso, donde puedes esperar horas a que el sol esté en la posición adecuada… Así no hay forma de hacer nada realmente bueno. Si acaso bellas postales para contentar nuestro ego.

Es el síndrome del fotógrafo actual. Como no tengo tiempo y quiero hacer cosas buenas, busco las coordenadas de otros fotógrafos para hacer la fotografía de postal. Es otra forma de trabajar.

Es el síndrome del fotógrafo actual. Como no tengo tiempo y quiero hacer cosas buenas, busco las coordenadas de otros fotógrafos para hacer la fotografía de postal. Es otra forma de trabajar.

Pero cuando el fotógrafo se hace es cuando deja todo el lastre y se lanza en soledad por los caminos que le marque el destino o la planificación de su proyecto. En ese momento puede sacar todo lo que tiene dentro. Es cuando se ve obligado a descubrirse como hacedor de imágenes.

Es dueño de su tiempo. No tiene que dar explicaciones y puede esperar todas las horas que necesite. O incluso darse el gusto de no hacer uno solo disparo porque se ha limitado a mirar, una cosa que deberíamos hacer más y que actualmente está mal visto por considerarse algo poco productivo.

En estos tiempos en los que el arte, la literatura o la poesía, o el simple placer de aburrirse está mal visto, no se concibe un fotógrafo solitario. Por eso triunfan hoy en día las mismas fotos de los mismos sitios desde los mismos puntos de vista. Para demostrar que hemos aprovechado el tiempo.

Se repite ese karma del triunfo por encima de todas las cosas, de los cientos de likes en las redes sociales, de la aprobación de los desconocidos que valoran más la nitidez que el mensaje. Se ha llegado al punto de negar el poder de la fotografía de trasmitir historias…

La soledad del fotógrafo

Así que si queremos mejorar como fotógrafos tenemos la pista de miles de autores que han demostrado cómo hay que trabajar y los sacrificios que hay que hacer por una buena imagen.

Ahí está Eugene Atget que nunca dejó de hacer fotos del París que desaparecía. O los miembros de la agencia Magnum cuando eran pocos y se repartían el mundo para contarlo. O Bill Cunningham que no dejaba de estar solo en la Gran Manzana a pesar de estar rodeado de la flor y nata de la sociedad.

También podemos recordar las travesías por Cuenca del bueno de Navia en las que terminaba durmiendo en hoteles perdidos. O la solitaria vida de Cristina García Rodero para encontrar esa España oculta…

Ser buen fotógrafo es duro. Hay que saber estar solo para hacer lo que uno quiere realmente. Y como muchos de vosotros no queréis llegar a tanto (ni falta que hace) siempre podéis salir por la mañana pronto y volver con el desayuno. O si hace mal tiempo escapar con un impermeable a la calle. O no dejarse llevar por la siesta.

Es en esos momentos cuando podremos hacer mejor nuestra función. Pendientes de todo lo que nos rodea, valorando la luz, las miradas de los que nos rodean e incluso la posible conversación con aquellas personas que llaman nuestra atención y que nos pueden brindar la fotografía de nuestra vida. Porque aunque la vida del fotógrafo es solitaria no quiere decir que no encontremos gente interesante en cada esquina a la que mirar a través del visor.