En el ámbito de la fotografía, el concepto de tipología fue impulsado por los fotógrafos alemanes Bernd y Hilla Becher que en la década de los sesenta fotografiaron plantas industriales, torres de agua y demás arquitectura vernacular de una manera aparentemente objetiva. No obstante, la tradición apuntaba ya casos muy conocidos como los de Eugène Atget, que fotografió las calles de París a principios del siglo XX, o el de August Sander, que en los años veinte, ya había centrado su interés en retratar a los representantes de todas las clases sociales y profesiones, razón por la cual se le considera como el padre de la sistematización y la tipología en la fotografía. Otro caso reconocidísimo y determinante en la historia del medio sería la serie Twentysix Gasoline Stations que publicó Ed Ruscha en 1962.

En 1991 se realizó en Nueva York una exposición denominada “Tipologías: Nueve Fotógrafos Contemporáneos.”  En el ensayo de introducción a esta exposición, Marc Freidus da una definición del concepto que todavía se utiliza hoy en día: “La tipología se ensambla por observación, colección, nombramiento y agrupación. Estas acciones permiten comparar los diferentes componentes, generalmente en busca de patrones más amplios”.

La exposición que presentamos en la Sala San Benito se inspira en esta aproximación para constatar una manera de mirar y aproximarse al mundo por parte de los fotógrafos. Los autores representados coinciden en llevar a cabo una exploración en la que la repetición de lo mismo cobra la misma importancia que sus variaciones. Muchos de los proyectos se han transformado en conocidas series fotográficas; y es que el significado más profundo de estos trabajos no se consigue en muchos casos a partir de la imagen única, sino de su conjunto. Casos como los de Joan Colom y su serie realizada en el barrio del Raval de Barcelona sería un ejemplo de esta manera de trabajar: sus retratos de personajes del barrio adquieren nuevas interpretaciones y un mayor impacto viéndolas en su conjunto. También en Barcelona, pero de una manera muy diferente, se presentan las tipologías de fachadas de Manolo Laguillo: el uso de un mismo punto de vista, estilo y la excelencia técnica, resultan factores fundamentales para dar coherencia a su proyecto.

De alguna manera, muchos de los conceptos que definen la tipología, como la intención de sistematizar, son una constante en la fotografía, sin importar tanto si lo retratado son personas, paisajes u objetos. ¿No será el propio acto fotográfico, escondido bajo una apartente objetividad y producción técnica, un intento de captar y ordenar el mundo?

Sala de San Benito

C/ de San Benito, s/n. Del 22 abril al 5 de Junio de 2016

De martes a domingo, de 12 a 14 y de 18.30 a 21.30 horas.

‘Edward Burtynsky.   Agua Shock’  en la Sala Municipal de Exposiciones de San Benito.

El fotógrafo utiliza imágenes sublimes para sacudir la opinión pública, «porque es a través de la cultura cuando se elevan las conciencias y se construyen las historias». «Y a través de la cultura podemos sensibilizar al hombre sobre las consecuencias de sus acciones».

Durante el desarrollo de esta investigación sobre el agua, Burtynsky ha utilizado tecnologías avanzadas, necesarias considerando la inmensidad del sujeto. Las instantáneas aéreas (desde helicópteros a drones) caracterizan de hecho el proyecto y nos desplazan por la dificultad para capturar la escala visual y la abstracción de los sujetos. El resultado es siempre sorprendente, nunca aburrido, ya que primero quedamos fascinados por la maravillosa representación de los lugares y sólo en un segundo momento nos adentramos más allá de la ilusión de los paisajes infinitos, hasta que tomamos consciencia de aquello que es realmente el sujeto.

Hasta el 6 de marzo.

En la  sala municipal de San Benito se ha inaugurado la exposición ‘Berenice Abbott. Topografías’, un acercamiento a la sensibilidad de la fotógrafa estadounidense plasmada en blanco y negro en retratos, ambiente urbano de Nueva York y la transmisión de la ciencia a través del arte.

Berenice Abbot (1898-1991) viajó en los años veinte del siglo pasado a París y Berlín y trabajó como ayudante en el laboratorio del fotógrafo surrealista Man Ray. Frecuentó los ambientes de la vanguardia parisina y se impregnó de la concepción de la fotografía documental de Eugène Atget. De esa época son algunos de los retratos que se pueden apreciar en la exposición, como los de James Joyce, André Gide, Lewis Hine y Jean Cocteau.

A su vuelta a Nueva York en 1929 quedó sorprendida por los grandes cambios urbanísticos de la ciudad, el impacto de la revolución industrial y el capitalismo. Con su cámara captó la transformación de la ciudad horizontal que conoció en avenidas con grandes rascacielos como paradigma de los nuevos tiempos. En el proyecto ‘Changing New York’ documentó esos grandes cambios urbanísticos y arquitectónicos entre 1929 y los diez años siguientes.

Hasta el 10 de enero

Arthur Fellig nació en Austria en 1899. En 1909 emigró con su familia a Estados Unidos instalándose en el East Side de Manhattan, donde realizó muchas de sus conocidas fotografías. Obligado a dejar la escuela en 1914 para poder ayudar al mantenimiento de su familia, trabajó durante un tiempo como fotógrafo de calle. En 1935 comienza su carrera como fotógrafo independiente. Tiempo antes ya había usado el nombre de Weegee, en referencia a la tabla de Ouija y su sorprendente capacidad para llegar pronto al escenario del crimen—a veces incluso antes que la propia policía. De hecho, este talento es lo que le convirtió, desde 1937, en el único civil que tenía permiso para instalar una emisora de la policía en su coche.De 1940 a 1944 Weegee trabajó como reserva para un periódico vespertino, libre para escoger sus propias historias, periodo en el que tomó sus mejores fotografías. En 1945 se inauguró su exposición Naked City en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y de ahí salió su libro más vendido. El año siguiente se publicó Weegee´s  People. Editando estas historias de Nueva York, de sus calles, sus bares, sus viviendas, sus crímenes, sus tragedias y diversiones, ayudó a dar forma a la propia conciencia de América, sus imágenes nos hablaban por igual del mito y de la realidad de la ciudad. Convertido en una celebridad nacional, se trasladó a Hollywood donde dio conferencias y realizó las fotografías de Naked Hollywood. Siguió trabajando y viajando hasta su muerte en 1968. En la actualidad Weegee es conocido como el fundador de la época de la cultura del tabloide, al mismo tiempo que es reverenciado por elevar la parte más sórdida del ser humano al nivel del arte.

04/09/2015 – 18/10/2015

Esta muestra inédita en España, presenta la obra de varias generaciones de artistas chinos que trabajan tanto en video como en fotografía, y cuyo objetivo es investigar la delgada línea entre el individuo y el mundo externo (Benoit+Bo Can Xin, LiuXiaofang, Zang Huan, Xu Pei Wu, Yang Changjing, Huang Ran), entre el yo privado y la persona pública (Tu Chun, WangFuchun, Wang Gang), así como la función del paisaje como metonimia de la condición humana contemporánea (Xu Yong, Wang Zi, Zhou Ming, Lu Guang). La idea de identidad se refiere al microcosmos del individuo pero también al macrocosmos en constante transformación. Eso último, aunque de una manera diferente respecto al pasado mantiene el significado de la metáfora de la identidad colectiva, que encarna los deseos, impulsos y visiones que sirven como enlace entre la memoria individual e histórica. «Identidad e Imaginación» alterna reflexiones sobre el «yo», que ya no es monolítico pero no por ello menos insondable, a panorámicas en las que el paisaje, no importa sea urbano o rural, se alza como una metáfora de una identidad plasmada por los eventos, inevitablemente cambiada en un tiempo cambiante. Sabrina Raffaghello. Co-comisaria.

                                                                         15/07/2015 – 30/08/2015

La muestra reúne una selección de un centenar de fotografías de uno de los grandes maestros de la historia de la fotografía: Duane Michals. Estudió Bellas Artes en Denver y posteriormente inició un curso de posgrado en la célebre Escuela de Diseño Parsons en Nueva York, aunque abandonó los estudios antes de finalizarlos. Su obra destaca por abrir una nueva puerta a la fotografía presentando secuencias que incorporaban textos como elementos de las fotos.

LUGAR  Sala de exposiciones de San Benito  

FECHA   Desde el 21 de mayo al 12 de julio  

Nacido en 1894 en Budapest, Kertész empezó como agente de Bolsa, pero pronto se inclinó por la imagen y compró su primera cámara en 1912. Llamado a filas por la I Guerra Mundial, combate en el ejército austrohúngaro. Llena su morral de placas de vidrio para retratar a los soldados, «pero sin mostrar las desgracias», señala Morin. «Hay una mirada tierna, incluso cándida», de los momentos distendidos. 

El Kertész artista es el que se muestra en la sección París 1925-35. Ahí cobra sentido el título de la exposición, El doble de una vida,referido a cómo proyectó en las fotografías sus emociones. «Interpreto lo que siento, no lo que veo», dirá. «Kertész plasma sus experiencias con sencillez y sinceridad. En él, lo cotidiano se convierte en extraordinario», apunta la comisaria. No se sabe por qué Kertész eligió París para darse a conocer, cuando el epicentro de las publicaciones ilustradas era Berlín. En la capital francesa deambula como un flâneur por el Sena, convive con la bohemia en Montparnasse, conoce a Mondrian, Chagall, Man Ray… y cuando fotografía, busca perspectivas desde puntos elevados y composiciones geométricas. Su primera exposición individual llega en 1927 y dos años después su obra cuelga en galerías de otros países.

En su estilo hay rasgos del «surrealismo, el dadaísmo, el constructivismo,  pero no adoptó ninguno por completo», dice la comisaria

Tras exponer en la Bienal de Venecia, el MoMA le dedica por fin una retrospectiva en 1964 que le ratifica como uno de los grandes maestros de la fotografía. Por todo el mundo le organizan homenajes, pero él, con modestia, declara que sigue viéndose como un aficionado: «Espero continuar así hasta el final de mis días». Retirado, vive con su mujer hasta que ella fallece en 1977. Muy deprimido, su último trabajo será fijar con una Polaroid regalada los objetos cotidianos que le unían a Elisabeth. Un retrato en ausencia de su amada al que solo pondrá fin con su muerte en 1985, a los 91 años.

La Sala Municipal de Exposiciones de San Benito de Valladolid acoge la muestra fotográfica ‘Genio e ingenio en la fotografía’ que reúne un centenar de obras de artistas internacionales como Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Herbert List, Werner Bischof, William Klein, Bruno Barbey o Leonard Freed. Todos ellos, junto a otros fotógrafos italianos, captaros algunos de los momentos más especiales y cotidianos que se vivieron en las calles de la península italiana durante la II Guerra Mundial. Entonces, era un país convulsionado por el conflicto pero aún así, sus gentes fueron capaces de sacar la mejor de sus sonrisas.

Más de un centenar de fotografías que reflejan la dignidad, la elegancia, la alegría y el optimismo que se respiraba en Roma, Nápoles, Palermo y Cerdeña mientras, sin embargo, la peor de las guerras atemorizaba al Antiguo Continente.

En los últimos años y con el auge de la fotografía digital, nos hemos olvidado algo de los álbumes de fotos. El fácil acceso a una cámara que permite que tengamos una colección de fotografías como nunca antes había ocurrido cuando teníamos que revelar un carrete. Sin embargo, muchas personas están volviendo a recuperar la costumbre de revelar sus fotos y van más allá, buscando la personalización de sus álbumes, incluso contando historias a través de imágenes ayudados de texto.

Todo se trata de contar historias, algo que del mimmo modo está ocurriendo con los fotolibros.

La exposición “Fotolibros. Aquí y ahora” pretende acercar al público esta forma de expresión que rompe con la fotografía de autor, ya que estos son la herramienta con la que muchos fotógrafos han decidido mostrar su trabajo.

Dirección: San Benito, s/n (Antiguo Monasterio de San Benito)

Teléfono: 983 42 61 93

http://www.info.valladolid.es/

Horarios: De M a D y festivos de 12 a 14 y de 18.30 a 21.30 h. L cerrado.