Enhorabuena a nuestro socio Pablo Álvarez Alvariño por su exposición «Terra dos meus avós ».En e la Casa de las Artes (LAGUNA DE DUERO. VALLADOLID ) Del 3 de febrero al 5 de marzo del 2023 .
Esperamos que sea de vuestro agrado.
 La muestra, que podrá visitarse hasta el 7 de noviembre, reúne las 57 fotografías originales que resultaron finalistas en el concurso y otras 88 seleccionadas en formato digitalEl director gerente de la Fundación de los Ferrocarriles Españoles, José Carlos Domínguez Curiel, estará acompañado en la inauguración por la concejala de Cultura y Turismo del Ayuntamiento de Valladolid, Ana Redondo, entre otras autoridadesEn esta trigésima edición del concurso fotográfico han participado 1.744 autores procedentes de 69 países, entre ellos 80 de Castilla y LeónEn diciembre de 2021 la exposición de ‘Caminos de Hierro’ inició una itinerancia de doce meses por doce ciudades en el marco del ‘Programa Estación Abierta’, con el que Adif pretende potenciar las estaciones como espacios de encuentro, cultura y difusión de valores Lugar: Estación de Valladolid Fecha: Hasta el 7 de noviembre de 2022 Más información: www.ffe.es |
Como ya es una práctica habitual de la Asociación, este año también haremos una Exposición Colectiva con fotografías de todas las socias y socios que deseen participar.
Pero en este año, especial para la Asociación en su 70 Aniversario, la Exposición Colectiva estará itinerante durante los meses de octubre y noviembre, desplazándose a lo largo de la ciudad por cuatro de sus Centros Cívicos, lo que permitirá disfrutar de las buenas imágenes de nuestras socias y socios a una gran parte de la ciudadanía.
Los cuatro Centros Cívicos y las fechas de la Exposición son:
| Centro Cívico | Situación | Fechas Exposición |
| Zona Este | C/ Cigüeña (Pajarillos) | 1 al 15 octubre |
| Zona Sur | Plaza Juan de Austria (Paseo Zorrilla) | 17 al 31 octubre |
| Rondilla | Plaza Alberto Fernández | 2 al 16 de noviembre |
| Canal de Castilla | Paseo Jardín Botánico (La Victoria) | 17 al 30 de noviembre |
Enhorabuena a nuestra Presidente y socio Ángel Pérez Gómez por su exposición «FACTOR HUMANO». Del 15 de septiembre al 31 de octubre del 2022 en la Biblioteca Pública de Ávila.
Biblioteca Pública de Ávila
Plaza de la Catedral, 3. C.P.: 05001 Ávila.
920 212 132
920 252 702
La Cafetería Casino de Salamanca acogerá, durante los meses de septiembre y octubre, una nueva exposición de nuestro socio Miguel Ángel Cruz. Se trata, en esta ocasión, de la serie titulada “La belleza de lo pequeño”, en la que el autor pretende acercarnos el mundo de los insectos y arácnidos, a través de un enfoque más creativo y artístico de la fotografía macro y de aproximación.
Deseando que os guste, os animamos a visitarla.
Enhorabuena a nuestro socio por su gran exposición.
Enhorabuena a nuestra socio Pablo Álvarez Alvariño por su exposición «Terra dos meus avós ».En el FARO DE CABO PRIOR (COBAS) Del 29 de julio al 15 de Agosto del 2022 .
Así lo ha explicado la directora general de PhotoEspaña, Claude Bussac, en una rueda de prensa que ha tenido lugar este martes en el Museo Patio Herreriano de Valladolid y en la que ha destacado las exposiciones de Cristina García Rodero y Ragu Rhai, ambos fotógrafos de la prestigiosa Agencia Magnum.
Cinco muestras repartidas con cerca de 400 instantáneas en cinco espacios de la ciudad – el Museo Patio Herreriano, el paseo central del Campo Grande y las salas de exposiciones de las Iglesia de las Francesas, de La Pasión y de San Benito- en las que se reflexiona sobre el papel de la religión, los roles femeninos, la violencia contra la mujer, la forja de la identidad nacional y la evolución de lenguaje fotográfico en España.
En ‘Lalibela, cerca del cielo’, Cristina García Rodero se sumerge en la iconografía y el culto de esta iglesia excavada en la roca y que la galardonada fotógrafa manchega – Premio Nacional de Fotografía en 1996 y Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2005 – pudo visitar entre los años 2000 y 2009 y que se inaugurará este viernes en la Sala Municipal de La Pasión.
SALA DE EXPOSICIONES LA PASIÓN (VALLADOLLID)
Las fotografías de ‘Mother India’, del indio Raghu Rai, exploran el concepto Madre India o Bharat Mata, fundamental en la creación de una identidad nacional en el país asiático tras su independencia hace 75 años, y su impacto en la sociedad a través de 50 imágenes obtenidas a lo largo de seis décadas.
«Es la primera vez que se realiza una retrospectiva de todos los períodos de Raghu Rai y analiza este concepto a tráves de la diversidad y los contrastes, con esa mirada hacia la mujer tan personal», ha destacado el director de la Casa de la India, Guillermo Rodríguez, que además ha anunciado la presencia del autor y del embajador del país asiático en la inauguración.
Muy cerca de la Plaza Mayor, en la Sala de Exposiciones de las Francesas se podrá ver ‘Holy’ de Donna Ferrato, que explora el testimonio de las supervivientes del lado oscuro de la vida familiar y que cubre desde los movimientos sociales de mediados del siglo pasado hasta el más cercano #metoo.
En el exterior del Campo Grande se desplegará el ensayo visual ‘Lideresas’ de Ana Amado, que reconstruye imágenes icónicas como el beso de Brézhnev, la operación para acabar con Osama Bin Laden o la portada de la revista Time dedicó a Donald Trump y sustituye a los protagonistas masculinos por mujeres.
«La obra de Ana Amado nos invita a reflexionar muchísimo sobre la visibilidad de la mujer actual,especialmente de las mujeres de una cierta edad», ha incidido Bussac.
Por último, las 250 instantáneas que componen ‘Derivaciones. Fotografía en España entre los 50 y los 80’ son una exposición colectiva que analiza las profundas transformaciones de esta disciplina artística tras la interrupción que supuso la Guerra Civil, hasta la llegada de los primeros rompedores como Xavier Miserach hasta la consolidación de los años, con exponentes como Alberto García Alix.
«Una retrospectiva que llevamos pergeñando año y medio y para entender un momento clave en la fotografía, que fue un trampolín para la fotografía que tenemos hoy», ha asegurado el director del Museo, Javier Hontoria, que también ha explicado que esta muestra es la única que cuyas fechas son diferentes: tendrá lugar del 25 de junio al 13 de noviembre. EFE.
SALA DE EXPOSICIONES LA PASIÓN (VALLADOLLID)
17.06.2022- 21.08.2022
El proyecto Lalibela, cerca del cielo documenta el conjunto de iglesias medievales excavadas y esculpidas en la roca, declaradas por la UNESCO Patrimonio Cultural de la Humanidad en 1978 y retratadas por García Rodero entre 2000 y 2009, en un proyecto fotográfico en el país africano en el que aún continúa trabajando.
Cristina García Rodero, una de las más destacadas autoras de la fotografía española contemporánea, galardonada entre otros con el Premio Nacional de Fotografía y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, se sumerge en el universo de la ciudad etíope de Lalibela.
Cristina García Rodero hizo varios viajes a Etiopía entre el año 2000 y 2009, y quedó especialmente fascinada con la ciudad de Lalibela. Situada en el corazón de las montañas de Etiopía, es un lugar sagrado y centro de devoción para la cristiandad etíope, único país del África negra donde el cristianismo se extendió directamente desde Tierra Santa. Sus impresionantes once iglesias medievales, excavadas y esculpidas en la roca, fueron declaradas Patrimonio Cultural de la Humanidad por la Unesco en 1978.
En las imágenes podemos observar tanto la belleza y peculiaridad de sus iglesias medievales, el paisaje y las rocas como la riqueza de las ceremonias y los ritos que allí se celebran. Sus fotografías nos introducen en un viaje simbólico por esa tierra santa, esa ciudad bíblica, a miles de kilómetros de Jerusalén, que nos transportan a Lalibela, en la que el tiempo parece haberse detenido para sumergirnos con sus ritos y ceremonias en una época que creíamos perdida.
Organizador
Ayuntamiento de Valladolid y PHotoESPAÑA
Comisario/a
Oliva María Rubio
Sede
C. Pasión, s/n, 47001 Valladolid
Horario
Mar-Dom / Tue-Sun:
12.00 h – 14.00 h
18.30 h – 21.30 h
Entrada
Entrada libre / Admission free
T: 983 37 40 48
https://www.info.valladolid.es/museos-y-salas-de-exposiciones
Fidel Raso
Fotoperiodista, Premio Internacional de Periodismo (2016) Cátedra Manu Leguineche y Profesor Honorifico de la Universidad de Alcalá. Reportero gráfico de Diario 16 en el País Vasco centrado en política y terrorismo (1985-1997). Enviado especial a diferentes acontecimientos internacionales como la caída del Muro de Berlín (1989-90) o la primera Guerra del Golfo (1991).
Entre 2004 y 2014, desde Ceuta y Melilla vivió de cerca la inmigración, el narcotráfico y las operaciones contra el yihadismo.
Segundo premio nacional `Gritos de Libertad´, y Segundo premio de la Asociación Nacional de Informadores Gráficos de Prensa y Televisión (ANIGP).
Autor de dos libros de fotografía y un ensayo sobre el Fotoperiodismo Vasco bajo el terrorismo.
Tiene una referencia bibliográfica en el libro History of Photography, editado en Londres y New York (1996). Tiene expuestos y catalogados diferentes ensayos fotográficos como el titulado “La ciudad envuelta” una colección de fotografías tomadas en los años ochenta sobre el impacto visual de los tendidos y cables eléctricos que sobrevuelan las ciudades industriales.
Dentro del Periodismo ha practicado la mayoría de los géneros, aunque destacan la fotografía, el reportaje y la opinión sobre materias como el terrorismo y la información.
Tras su paso por Salamanca, la exposición “Retazos del pasado”, de nuestro socio Miguel Ángel Cruz Sánchez, llega al Círculo Amistad Numancia de Soria.
Por ella desfilan enseres y elementos vinculados a una vida pretérita y rural retratados con enfoque artístico y un toque de añoranza. La muestra se podrá ver desde este 6 de mayo hasta el domingo día 15. En su raíz quiere servir de «homenaje y reconocimiento al esfuerzo y sacrificio de los mayores que nos precedieron», en palabras del propio autor.
A partir del juevess 17 podréis disfrutar de la exposición «MASCARADAS, DOS MIRADAS» por MIGUEL ÁNGEL CRUZ SÁNCHEZ (socio de la AFV) y ANDRÉS NÍGUEZ CARBONELL en el Centro Cívico Zona Este.
No os la perdais…
‘Peter Lindbergh: Untold Stories’ es el título de la exposición retrospectiva que el propio Peter Lindbergh comisarió poco antes de su prematuro fallecimiento en 2019 y que todavía se puede visitar en el puesto de A Coruña, con entrada gratuita, hasta el 28 de febrero.
Lindbergh dedicó dos años a seleccionar estas 161 imágenes que componen un recorrido por las cuatro décadas de su carrera, durante las que inmortalizó a algunas de las mujeres más famosas del mundo de la moda, el cine y más allá, desde Nicole Kidman y Charlotte Rampling a Uma Thurman, pasando por muchas de las supermodelos que marcaron la década de 1990, como Linda Evangelista, Naomi Campbell o Kate Moss.
Sin duda, un artista que ha dejado una huella imborrable tanto en la moda como en la fotografía. Las imágenes tomadas entre principios de los 80 y 2019, la exposición nos permite aproximarnos a la obra del legendario fotógrafo desde perspectivas nuevas e insólitas.
La muestra se presenta en colaboración con la Lindbergh Foundation, que dirige Benjamin Lindbergh, hijo del fotógrafo. Como complemento a la exposición la editorial Tachen ha publicado dos libros con fotografías del autor, ‘Raw Beauty’ y ‘Untold Stories’.
La exposición reúne más de 160 fotografías cuidadosamente seleccionadas por el propio Lindbergh y organizadas en tres capítulos. Dos instalaciones a gran escala cierran la parte introductoria y ofrecen una perspectiva nueva y sorprendente sobre la obra de Lindbergh.
‘Manifest’, la monumental instalación de apertura, que incluye varias impresiones en papel blueback a gran escala, ha sido especialmente diseñada para la muestra y presenta, a través una experiencia inmersiva y sugerente, el modo en que Lindbergh entendía la fotografía de moda.
Se expone en una sala completamente negra e incluye las 24 imágenes que solían aparecer siempre que el artista tenía que hacer una selección de obras, aquellas que en su opinión mejor representaban el papel de la fotografía de moda en la cultura visual global.
Para la sección central de la exposición, en una sala blanca que contrasta con la primera instalación, Lindbergh escogió las obras que consideraba clave en su trayectoria. Experimentó con su propio material y sacó a la luz nuevas historias sin dejar de ser fiel a su lenguaje.
Tanto las obras emblemáticas como otras que nunca han sido expuestas se muestran por parejas o en grupos dando lugar interpretaciones inesperadas y sorprendentes. Aquí se encuentran algunas de sus series más icónicas, como la de Naomi Campbell retratada en Ibiza en el año 2000 o la de Milla Jovovich posando con una estética inspirada en el cabaret.
En esta sala, las fotografías de encargo, las personales y las editoriales se exponen como un todo, sin jerarquías, tal y como Peter Lindbergh las concebía. Sus recursos formales y obsesiones recurrentes surgen aquí con claridad: la atención prestada al cuerpo, las artes escénicas y las definiciones de belleza son algunos de ellos.
La exposición se cierra con la instalación cinematográfica ‘Testament’ (2013), que revela una faceta desconocida hasta la fecha de la práctica y el carácter del fotógrafo alemán. La película, rodada a través de un espejo unidireccional, muestra el intercambio silencioso entre la cámara de Lindbergh y Elmer Carroll.
El condenado a muerte de Florida pasó 30 minutos mirando atentamente su reflejo, pensativo, introspectivo y sin ninguna expresión facial significativa. Mostrada por primera vez, la instalación ‘Testament’ añade un elemento inesperado a la exposición y abre el debate sobre temas de vital importancia para Peter Lindbergh: la introspección, la empatía y la libertad.
Peter Lindbergh (1944-2019) es considerado uno de los fotógrafos más influyentes del panorama contemporáneo. Nació en Lissa (en la Polonia ocupada) en 1944 y pasó su infancia en Duisburg (Renania del Norte-Westfalia). Trabajó como escaparatista para unos grandes almacenes locales hasta que a principios de los 60 se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Berlín. El propio artista recordaba así aquellos años: «Prefería dedicarme a buscar las fuentes de inspiración de Van Gogh, mi ídolo, en lugar de pintar los retratos y paisajes obligatorios que se enseñaban en las escuelas de arte…».
Inspirado por la obra de Van Gogh, pasó casi un año en Arlés para luego embarcarse en un viaje en autoestop por España y el Norte de África. Más tarde, estudió pintura libre en la Escuela de Artes de Krefeld. Joseph Kosuth y el movimiento conceptual fueron grandes influencias para él, que antes incluso de graduarse ya fue invitado a presentar su obra en la célebre y vanguardista Galerie Denise René – Hans Mayer en 1969.
Tras mudarse a Düsseldorf en 1971, empezó a prestarle más atención a la fotografía y trabajó durante dos años como asistente del fotógrafo Hans Lux, antes de abrir su propio estudio en 1973. Lindbergh empezaba a ser bastante conocido en su país cuando se unió a la familia de la revista Stern, junto con leyendas de la fotografía como Helmut Newton, Guy Bourdin y Hans Feurer, y en 1978 se instaló en París para seguir con su carrera.
Considerado un pionero de la fotografía, introdujo una forma de nuevo realismo mediante la redefinición de los estándares de belleza con imágenes atemporales. Su enfoque humanista y su idealización de la mujer lo distinguen de otros fotógrafos, ya que siempre privilegió el alma y la personalidad en su obra.
Lindbergh creía que había algo en cada persona que la hacía interesante, más allá de su edad, y por ello revolucionó los estándares de la fotografía de moda en épocas en las que se abusaba del retoque. En sus propias palabras: «Los fotógrafos de hoy en día tienen la responsabilidad de liberar a la mujer, y en definitiva a cualquier persona, del terror de la juventud y la perfección».
Fue el primer fotógrafo que incluyó una narrativa en sus series de moda, que a su vez abrió la puerta a una nueva visión del arte y la fotografía de moda. Con el paso de los años, Lindbergh ha ido creando imágenes con una perspectiva minimalista de la fotografía posmoderna que han marcado la historia de la fotografía de moda.
En 1988, Lindbergh se ganó el reconocimiento internacional por mostrar a una nueva generación de modelos vestidas con camisas blancas. Las había descubierto recientemente y sería el encargado de lanzar sus carreras.
Un año más tarde, las jóvenes promesas de la moda Linda Evangelista, Naomi Campbell, Cindy Crawford, Christy Turlington y Tatjana Patitz, posaron para él en la que sería la legendaria portada de Vogue Reino Unido de enero de 1990.
La estrella del pop George Michael, origen del movimiento de las «supermodelos» que luego continuaría Gianni Versace, se inspiró en las fotografías de Lindbergh para Vogue para crear el icónico videoclip de su canción ‘Freedom 90’, que marcó el inicio de una era de modelos celebrities que supuso la redefinición de la imagen de la mujer moderna.
Famosa por sus series narrativas de moda, la obra de Lindbergh destaca fundamentalmente por sus retratos sencillos y reveladores, sus naturalezas muertas y sus fuertes influencias del primer cine expresionista alemán y del entorno industrial de su infancia, la danza y los cabarets, además de los paisajes y el espacio exterior.
Desde finales de los 70, Lindbergh trabajó con las marcas y revistas de moda más prestigiosas, entre las que se incluyen ediciones internacionales de Vogue, The New Yorker, Rolling Stone, Vanity Fair, Harper’s Bazar USA, Wall Street Journal Magazine, The Face, Visionaire, Interview y W.
Su obra forma parte de las colecciones permanentes de un gran número de museos de arte de todo el mundo y también se ha expuesto en los más prestigiosos museos y galerías: el Victoria & Albert Museum (Londres), el Centro Pompidou (París) y la exposición ‘A Different Vision on Fashion Photography’ en el Rem Koolhaas’ Kunsthal en Rotterdam (septiembre de 2016), así como exposiciones individuales en el Hamburger Bahnhof (Berlín), el Bunkamura Museum of Art (Tokio) y el Museo Pushkin (Moscú).
Lindbergh también dirigió películas y documentales aclamados por la crítica: ‘Models, The Film’ (1991); ‘Inner Voices’ (1999), que ganó el premio al Mejor Documental en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) en 2000; ‘Pina Bausch, Der Fensterputzer’ (2001) y ‘Everywhere at Once’ (2007), que contó con la narración de Jeanne Moreau y se presentó en los festivales de Cannes y Tribeca.
Peter Lindbergh falleció el 3 de septiembre de 2019. Dejó esposa, Petra Sedlaczek, y cuatro hijos.
Esta información ha sido realizada gracias al extenso dosier de prensa facilitado por la organización de la exposición.
Estos días en Culture Lab LIC en Long Island City, uno de los barrios más creativos de la ciudad de Nueva York en el que varias generaciones de artistas decidieron crear sus estudios, vivir y organizarse para mostrar su trabajo, se presenta hasta el 6 de febrero la exposición ‘Alternative Processes: Other Ways of Seeing’ (Procesos alternativos: otras maneras de mirar), comisariada por Orestes González y Pierre-Yves Linot, en la que se propone una mirada a la multitud de procesos técnicos que permiten crear ese objeto entre la química, la imagen, la pintura y el dibujo con luz que es la fotografía.
Mediante una convocatoria internacional, en la que participaron más de 200 artistas, se recibieron obras en las que se experimenta con procesos tan diversos como el ferrotipo, el cianotipo, los quimigramas y bromóleos, el collage o las impresiones a la sal, uno de los primeros procesos fotográficos de la historia de la fotografía. Es decir, todos, o la mayoría, menos la fotografía analógica y digital, la habitual en cualquier exposición de fotografía.
Esta muestra es una excelente oportunidad para conocer las posibilidades de la fotografía como laboratorio experimental en el que las técnicas tradicionales y las más contemporáneas de procesar una imagen y materializarla en un soporte físico nos permite recrearnos en unas estéticas que aparentemente resultan minoritarias o que ha pasado a la historia por su desuso, pero que siguen estando muy vivas.
En palabras de los comisarios: “Con esta exposición, nuestra meta no solo era crear una colección variada e impactante visualmente, sino también educar al público en todos los métodos de reproducción fotográfica disponibles en el mercado actual. Así podemos inspirar a artistas que quizás no conocen estos procesos y a la vez promover estos métodos (algunos antiguos y otros más recientes ), los cuales tienen el peligro de perderse si no se practican o promueven”.
Pero no solo la técnica empleada ha sido determinante para participar en esta muestra. De esos 200 artistas, 70 fueron elegidos tanto por el peso conceptual como por el riesgo formal de sus trabajos.
Entre el extenso repertorio de piezas seleccionadas, Ivana Larrosa presenta ‘My body‘, un quimigrama en el que combina fluidos corporales, el sudor, la sangre, la saliva y las lágrimas con cinta y pegamento para fijar las emociones en material fotosensible, creando composiciones abstractas cargadas de dolor, rabia y deseo que queda impreso en papel.
Rosee Camafreita sitúa una caja de luz en el suelo en la oscuridad y explora las posibilidades formales del color manipulando plásticos y objetos reflectantes con la mano izquierda, de tal manera que cuando consigue la combinación de color y trazos de luz que le interesan, toma la fotografía con la mano derecha, obteniendo como resultado unas bellas imágenes pictóricas abstractas.
Mary Evangeline Guadalupe Rubi usa el cianotipo para imprimir imágenes en tela que posteriormente tiñe con taninos, dándoles una coloración azul construyendo un storyboard en colchas que remiten a la tradición conmemorativa de recordatorio personal y de denuncia del quilt activista americano.
Su obra propone una reflexión sobre la idea de hogar, vindicando a su vez el uso de la costura como tradición artesanal y artística de género. Cada pieza cosida en la colcha habla de su viaje personal en busca de una reconciliación con su identidad euro-indígena.
Maite Mérida trabaja con el cianotipo para denunciar las políticas y violencias sexistas contra las cuerpas disidentes y las mujeres. Los gestos, los afectos y el activismo feminista que ha sido impreso en octavillas y carteles de denuncia se presentan como objetos materiales que recogen la huella de las luchas sociales silenciadas en Valparaiso, Chile, durante 2019. Las imágenes tratadas por Mérida son testimonio de esas luchas que permanecerán así en el tiempo y la memoria.
Connie Stewart en ‘Fuel to Fire‘, 2021, realiza obras en las que la costura sobre la imagen remite a la cicatrización de las heridas de su pasado, el hilo une lo cortado dejando una cicatriz que es la huella sanada del trauma.
Jackie Neale propone un cianotipo sobre una bandera americana invertida para hablar de los procesos de inmigración y asimilación en Estados Unidos. La obra es parte de un work in progress en el que las banderas invertidas incorporan símbolos de patriotismo para señalar su relación con la violencia.
Jennifer Liseo se inspira en una fotografía en blanco y negro de Betty, la abuela de su esposa, en los años 40. En ese momento, la imagen suponía un cuestionamiento y desafío a las expectativas sociales de género y de los roles asignados tradicionalmente a las mujeres, percibiéndose como un ejercicio de empoderamiento.
Desde la mirada actual, Liseo se pregunta por cómo podemos leer esa imagen tras el debate político y social que en los últimos años se ha producido en la sociedad norteamericana con respecto al derecho al uso de armas. La imagen es así un lugar en el que confluye la vindicación feminista, el empoderamiento y la rabia, sin olvidar a su vez la violencia y el drama ocasionado por las armas en Estados Unidos
Pierre-Yves Linot lleva tiempo desarrollando el proyecto ‘4stones’, una obra en la que usa papel para acuarela como soporte de sus cianotipos. Su proceso de trabajo se abre a la participación de las personas que encuentra en sus viajes por el mundo a las que les propone que coloquen cuatro piedras con el objeto de crear una imagen que reflexiona sobre la idea de libertad y la necesidad de abolir las fronteras.
La disposición de las piedras de la pieza que presenta en esta exposición fue realizada por Aziz, un pescador de Esauira, Marruecos.
Keliy Anderson-Staley, una de las artistas de la técnica de ferrotipo más reconocida en Estados Unidos cuyos retratos cuelgan en la terminal Delta en el Aeropuerto Internaciontal de Houston, presenta en ‘Alternative Processes‘ una serie de retratos realizados en esta técnica tan artesanal que requiere sentarse un buen rato frente a la fotógrafa mientras ella realiza su alquimia y te fotografía con su cámara de madera clásica y lentes de latón. Las antípodas de la fotografía digital actual. Cada retrato, como el que encabeza este artículo, se realiza con una placa de colodión húmedo hecho a mano.
En definitiva, la exposición en su conjunto nos abre a esas prácticas de la fotografía experimental y sus materialidades que aparentemente habían quedado en desuso con el empuje de las nuevas técnicas, la posfotografía y la imagen digital, haciendo hincapié en el papel de fotógrafo-artista como alquímico de la luz y desplegando un repertorio de imágenes evocadoras, retratos intimistas, experimentos con el cuerpo y vindicaciones políticas.
Inaugurada en Madrid la exposición ‘Stanley Kubrick. The Exhibition’ en la que podemos conocer a fondo la figura del genial director y además descubrir la faceta fotográfica de uno de los mejores directores de cine de la historia. Era consciente de que la imagen era fundamental para acercarse al espectador.
Por fin ha llegado a Madrid una de las exposiciones más esperadas de la temporada: ‘Stanley Kubrick. The Exhibition’. ‘2001. Una odisea en el espacio’, ‘El resplandor’, ‘La naranja mecánica’, ‘Barry Lyndon’… en todas sus películas la fotografía es impresionante. Y aunque esta exposición que ya ha recorrido medio mundo cuentan y enseñan todo lo relacionado con uno de los vecinos ilustres del Bronx, la fotografía es claramente uno de sus pilares.
“2001: Una odisea del espacio”, dirigida por Stanley Kubrick (1965–68; GB/US). Stanley Kubrick en el set durante la filmación. © Warner Bros. Entertainment Inc
Hay más de 600 objetos que harán las delicias de todos los que amamos el cine con mayúsculas. Esta exposición muestra el riguroso trabajo de documentación que seguía Stanley Kubrick antes de empezar a rodar una película. Y nos enseña que la mirada de un fotógrafo es esencial para llegar a ser un gran director de cine.
Toda su vida, todas sus experiencias, están volcadas en sus películas. Desde las que hizo con el respaldo de los estudios hasta sus últimos filmes más personales. Ahí están el orden mental que le dio el ajedrez y la forma de mirar de su afición a la fotografía, que fue su primer trabajo.
En la exposición podemos ver sus primeros trabajos en la prestigiosa revista Look, en la que empieza a colaborar con 17 años. Estará en plantilla hasta 1951. Así que durante más de cuatro años curte su mirada hasta límites insospechados. Tenemos a un gran cineasta, pero perdimos a un gran fotógrafo.
Su vida profesional derivó al mundo del documental dedicado al mundo del boxeo. Y el ascenso fue imparable. Es la época de su cine negro que culmina con ‘Atraco perfecto’ (1956). Pronto le llega la gran oportunidad con ‘Senderos de gloria’ (1957) una película de marcado carácter antibelicista que le llevará a ‘Espartaco’ (1960).
Fotografia de Viktor Kolev
‘Kubrick creó algo más que películas. Nos dio experiencias ambientales completas que se volvían más intensas cuanto más las veías’. Steven Spielberg
Y pronto llegará su independencia de los grandes estudios y la posibilidad de rodar manteniendo todo el control. Una libertad de la que pudo disfrutar hasta que murió en 1999, 6 días después de presentar a su productora ‘Eyes wide shut’ (1999).
Y en todas sus películas, aunque contaba con grandes directores de fotografía, él siempre controlaba hasta el último rayo de luz. Emociona ver, en uno de los múltiples vídeos que nos acompañan durante la exposición, cómo decide la exposición perfecta en una de las escenas de ‘La chaqueta metálica’.
Nosotros los fotógrafos debemos estar pendientes en todas las salas. Desde el vídeo que nos abre los ojos hasta el final, donde incluso podemos imaginarnos en medio de la orgía de su última película.
Pero al principio, nada más entrar, encontramos muchos de los objetivos que utilizó en sus películas. Y como un tesoro escondido, vemos el Zeiss que adaptó para rodar las escenas a la luz de las velas y la luna con la ayuda de John Alcott. Y su cámara Speed Graphic, y su cámara de mano favorita…
Miremos donde miremos veremos fotografía. En la primera sala encontramos una selección de sus fotografías de ‘Look’; o si vamos al espacio de ‘¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú’ (1964) veremos el trabajo de Weegee. Era uno de los mejores fotógrafos de prensa, al que Kubrick admiraba tanto que terminó contratando para la foto fija de la película.
Si pasamos por ‘Barry Lyndon’ (1975) nos sumergiremos en la luz de las velas y en uno de los trabajos más grandiosos de la dirección de fotografía de la historia del cine… Para rodarla se preguntó cómo sería la luz del siglo XVIII… Y no se parecía a nada de lo que habíamos visto hasta entonces…
Fotografía de Viktor Kolev
Si subimos a la siguiente sala, entraremos en los mundos de sus últimas películas. Y en ‘El resplandor’ (1980) veremos los trajes de las niñas gemelas inspiradas en una de las fotografías de su amiga Diane Arbus; o la foto final del hotel Overlook, uno de los fotomontajes más intrigantes de la historia.
La pasión desmedida de la comisaria de la exposición, Isabel Sánchez, más el trabajo de los arquitectos y todo el personal que han ayudado a montarla, nos trasladan al universo de un director que sabía mejor que nadie que saber mirar es una de las mejores formas de contar historias.
