Un Bien de Interés Cultural (también conocido por sus siglas BIC) es una figura jurídica de protección del patrimonio histórico español, tanto mueble como inmueble.

La Ley de Patrimonio Histórico España, define que: «en el seno del Patrimonio Histórico Español, y al objeto de otorgar una mayor protección y tutela, adquiere un valor singular la categoría de Bienes de Interés Cultural, que se extiende a los muebles e inmuebles de aquel Patrimonio que, de forma más palmaria, requieran tal protección. Semejante categoría implica medidas asimismo singulares que la Ley establece según la naturaleza de los bienes sobre los cuales recae».

​La Asociación Fotográfica Vallisoletana recoge algunos de los BIC más interesante de la provincia. Cada mirada es única y personal. No os la perdais !

Tendrá lugar del 18/10/21 hasta el 30/10/21 y será en la sala del Centro Cívico Canal de Castilla

Algunos flujos de trabajo requieren que trabajemos las imágenes sin que pasen por un revelador previamente. Esto ocurre en ocasiones cuando hay que corregir una imagen de un cliente o editar algunas imágenes durante sesiones en las que no se captura en RAW (existen, aunque suene asombroso). Corregir esas imágenes requiere que tengamos una base neutra, y gracias a un vídeo del canal PTC de YouTube, podremos conseguirlo en un par de clicks.

En el vídeo, Jesus Ramirez nos enseña los algoritmos escondidos que se encuentran en la herramienta de autocorrección de las curvas de ajuste. Estos algoritmos tienen distintas funciones que se acercan a un ajuste de contraste de maneras distintas. Lo más importante, estos algoritmos nos permiten conseguir imágenes neutras y con buen contraste con tan solo un par de clicks.

En el vídeo, el editor nos muestra cómo acceder a estas herramientas y cómo las utiliza en un flujo de trabajo propio. Sin embargo, el vídeo está en inglés, así que hemos aplicado el proceso a un flujo para demostrar su funcionamiento. Vamos a utilizar la imagen de abajo como ejemplo.

Lo primero que debemos hacer es crear una capa de ajustes de ‘Curvas’ y al lado del desplegable de presets vamos a hacer click sobre el botón de ‘Auto’ mientras presionamos la tecla ALT en el teclado.

Esto va a abrir un nuevo panel en la interfaz. Dentro de la interfaz vamos a ver cuatro métodos de autocorrección de color, una casilla de obtener colores neutros y un segundo menú para configurar el color destino del punto negro, blanco y neutro. Por defecto, la interfaz está ajustada a mejorar contraste y brillo en la corrección de color. Esto lo que hace es tratar de ajustar la imagen para que use la mayor cantidad del histograma a nivel general.

El contraste monocromático es un ajuste que buscará ajustar y balancear los niveles de luminancia general de la imagen.

El contraste por canal buscará hacer un promedio entre el contraste general y cada canal de la imagen. Lo cual puede conseguir tonos más neutros por sí solo.

Encontrar colores oscuros y claros es la función recomendada por Jesús. Lo que hace es ajustar el contraste según el color. Esto ayuda a obtener tonos más neutros y contrastes equilibrados para el inicio de la edición.

Además, al hacer click en la caja de obtener colores neutros, el algoritmo usualmente encuentra puntos medios o brillos que le permiten neutralizar la imagen para arrancar con una base perfecta.

Abajo podéis ver cómo queda la imagen tras aplicar este par de ajustes.

Lo mejor, este método también puede funcionar como una forma de balancear tonos en una fotocomposición (como lo muestra el vídeo de Jesús Ramirez) e incluso puede ayudarnos a conseguir una base de tono interesante cuando queremos extraer un estilo de color para aplicarlo a otra imagen.

Para ello, tan solo debemos quitar la selección de obtener tonos neutros y cambiar los colores destino de punto blanco, negro y tonos medios. De esa manera podemos extraer tonos para tan solo ajustar el contraste de modo manual con la curva de contraste.

Extrayendo tonos de una pintura.

El otoño ya está aquí. Y no hace falta que nos lo digan los centros comerciales. Solo hace falta fijarse en los árboles y que por fin tenemos que ponernos una manta para ver nuestra película favorita. Es la estación más fotogénica de todas y con la ayuda de Adobe Photoshop vamos a conseguir los mejores colores posibles.

El otoño es un mes perfecto salvo porque los días cada vez son más cortos. Desde un punto de vista fotográfico es mucho más agradecido que el verano, por poner solo un ejemplo. Pero muchas veces tenemos problemas a la hora de representar los colores con la tonalidad y saturación que buscamos.

Hay que tener en cuenta muchas cosas para lograrlo. Da igual que dispares con un móvil o una sin espejo. Y aunque a muchos les parezca absurdo, es importante disparar siempre en formato RAW. Se puede decir que es el mejor consejo que podemos dar para empezar y terminar. Todo cambia a partir de este momento.UN VISTAZO A…

Disparar en RAW en el otoño

La información que tiene un archivo RAW permite registrar toda la información tonal de un bosque otoñal. Si quieres pasar el rato puedes intentar contar todos los colores que puedes ver en un bosque asturiano en estas fechas. La última vez que lo hice en un día nublado llegué a los 25 tonos.

Toda esta información es difícil registrarla en un jpeg con un espacio de color reducido, como puede ser el sRGB. El truco está en que los colores salen más saturados en la pantalla, pero se pierden matices, sobre todo a la hora de revelar o de imprimir.

Fotografía original

El problema que muchos alumnos me comentan es que los archivos aparecen mucho más apagados y menos saturados. Y no es un problema, es una virtud. Así tenemos toda la información posible para lograr la mejor representación posible.

¿No podemos hacer buenas fotografías entonces si nuestro móvil solo dispara en jpeg? Desde luego que sí, pero la calidad técnica dejará mucho que desear. Y eso a pesar de utilizar mil filtros. El resultado técnico no será tan bueno.

Cuatro técnicas de revelado para mejorar los tonos otoñales

Es un clásico recomendar una u otra técnica durante estas fechas. Aquí vamos a ver las más recomendables partiendo del archivo RAW del que hemos hablado. Consultaremos las propuestas de f64 Academy y Fotógrafo digital para enriquecer el artículo.

Modificar la Temperatura de color

Lo más sencillo siempre es lo que propusimos en un artículo de hace dos años. Y es tan sencillo como cambiar la Temperatura de color en Adobe Camera RAW:

• Revelamos la fotografía siguiendo los diez pasos del revelado o cualquier otro flujo de trabajo que te convenza.
• Si seguimos el decálogo, la clave es cambiar la Temperatura de color en el paso número 5.
• En este punto tenemos que apostar por una temperatura más cálida, la que ofrece Sombra o Nublado.

Ajustar el panel de Calibración

En f64 proponen aprovechar las ventajas del desconocido panel Calibración que encontramos en Adobe Camera RAW y Lightroom.

Es una técnica más fina que la anterior porque permite jugar con los canales de color por separado y no obliga a modificar todo el equilibrio de blancos en la fotografía.

• Abrimos el panel Calibración que encontramos en ambos programas.
• Tenemos dos parámetros para cada Canal de color: Tono y Saturación.
• El secreto es ir ajustando cada uno de los parámetros hasta lograr encontrar la mejor combinación.

La pestaña HSL/Color

Este es otro de los métodos propuestos por f64. Es muy parecido al anterior y aprovecha todas las virtudes del nuevo panel de estos dos programas.

• Después de revelar la fotografía abrimos la pestaña HSL/Color.
• Aquí tenemos que marcar el color que queremos modificar y ajustar los tres valores del color: Tono, Saturación y Luminosidad.
• Para una fotografía otoñal solo hace falta tocar los cálidos (naranjas, amarillos y rojos) para conseguir un buen efecto.

La magia de la capa de ajuste Consulta de colores

Este es uno de mis métodos favoritos y que repito siempre en mis talleres cuando queremos hacer algo rápido y efectivo a la primera.

Lo ideal sería trabajar con las máscaras de luminosidad para tener el máximo control en la máscara de capa. Pero podemos aplicarlo directamente:

• Abrimos la fotografía en Adobe Photoshop desde Lightroom o Camera RAW.
• Vamos a Capa>Nueva capa de ajuste>Consulta de colores.
• En Archivo 3D LUT>FallColors.look. Es una forma sencilla de conseguir los tonos otoñales.
• Para reforzar el efecto no hay más que crear una capa de ajuste de Curvas y aumentar el contraste.

https://www.xatakafoto.com/tutoriales/la-magia-de-la-herramienta-deformacion-de-posicion-libre-de-adobe-photoshop

EN XATAKA FOTOLa magia de la herramienta Deformación de posición libre de Adobe Photoshop

Así que ya solo nos queda salir en estos días a buscar el otoño por los bosques o la ciudad y tratar de conseguir esa foto perfecta que llevamos tanto tiempo intentando conseguir…

Optimizar nuestras imágenes para la web es muy importante a la hora de compartir portafolios digitales, subir nuestras imágenes a nuestra página personal e incluso compartir las imágenes en redes. Sin embargo, comprimir la información resulta en una pérdida de calidad sobre la fotografía. Así que, ¿cómo podemos reducir el tamaño y peso de nuestras imágenes antes de perder demasiada calidad?

Identificar el propósito

El primer error que muchos fotógrafos cometen cuando exportan sus imágenes para la web es comprimir la imagen sin modificar su tamaño. Ya que la resolución es más que la necesaria, la compresión también debe ser mayor, reduciendo la calidad general de la fotografía. Por eso, lo primero que debemos ajustar en nuestras imágenes es el tamaño final.

La mejor forma de hacerlo es entrando a Photoshop y presionando Ctrl+Alt+I en el teclado. Esto abrirá la ventana de ‘Tamaño de imagen’. Como podéis ver en la imagen de abajo, el tamaño original de la imagen era de 11.2 MB.

Manteniendo activo el mantener la proporción de tamaño podemos cambiar el tamaño del largo más largo de la imagen. Por ejemplo, un tamaño promedio para compartir en web es 1500 píxeles de largo, así que ajustamos la foto a ese largo.

Podéis ver cómo la imagen pasa de 11.2MB a tan solo 4.29MB. El peso general se redujo más del 50%. Ahora, ¿cómo podemos comprimir la información para no perder mucho detalle o calidad?

Comprimiendo al máximo

Una de las herramientas más útiles en photoshop es el panel de ‘Exportar para Web’ al cual se puede acceder presionando Ctrl+Alt+Shift+S en el teclado. Este panel está diseñado para guardar imágenes optimizados para web en varios formatos de archivo como JPEG, GIF y PNG. Al abrirlo, se recomienda abrir el panel de 4 Ventanas, se verá algo como abajo.

Esta vista nos permite ver varias opciones de exportación al tiempo para ver cómo afectan los ajustes a la imagen. En la vista de arriba podéis ver la imagen original y una exportación en JPEG a 100% de calidad, 50% de calidad y 25% de calidad.

En el panel de la derecha, en la parte superior podemos ajustar la calidad del método de compresión. Para mantener la mejor calidad, es recomendable mantenerlo siempre en ‘Máximo’ o ‘ Muy alta’. De esa manera evitaremos que la imagen se deteriore tanto al comprimir.

Así mismo, podemos activar la casilla de optimizar, la cual genera una compresión adicional, que puede reducir hasta un 20% adicional el peso tras la compresión. Sin embargo, el punto más importante es el ajuste de la calidad de compresión de la imagen.

En la imagen de abajo podemos ver cómo se afecta la calidad. Al 100% hay una pequeña variación de color que se da por la optimización para el espacio de color de la web. Sin embargo, mantenemos un alto nivel de detalle y tenemos una imagen que tan solo pesa 758 KB. Al 50% podemos notar que hay mucho más ruido digital, pero todavía se ve un buen nivel de detalle y tan solo pesa 92 KB. Al 25% podemos ver que la compresión destruye las gradientes de los tonos, se forman artefactos digitales y hay una gran pérdida de calidad, así tan solo pese 25 KB.

La clave de balancear calidad y peso está en ajustar el porcentaje de compresión para cumplir con un estándar de visualización. Debemos hacer que la imagen se vea lo mejor posible para nosotros. Debemos aceptar que no es perfecto, pero que si no se ve mal en el medio final, tampoco será un problema. En este caso, podemos ver el ejemplo de comprimirlo al 70% de calidad (un porcentaje usualmente balanceado). No hay mucho ruido agregado, el detalle se mantiene bien y tan solo pesa 210 KB.

Abajo podéis ver cómo queda el resultado final.

«El ser humano es insignificante en el amplio entorno que lo rodea aunque ese mismo entorno lo necesita para formar parte de él».

De esta manera comienza la exposición de Ángel Pérez, (Presidente de la AFV) en el Centro Cívico Canal de Castilla (Paseo del Jardín Botánico, 4).

Esperamos que sea de vuestro agrado.

Os esperamos el día 1 de octubre para su inauguración.

murió Carlos Pérez Siquier, el penúltimo genio de una generación de la que se acordaron tarde. Recibió todos los premios posibles, tiene un museo propio y fue capaz de ver la luz del Mediterráneo como nadie. En cualquier otro país sería un día de duelo nacional, aquí solo nos acordamos todos los que aprendimos de él.

El mundo ha cambiado mucho. Hace 90 años, cuando él nació en su querida Almería, todo era distinto. El mundo de la cultura y del arte vivía su edad de plata cuando todo se cortó de raíz. La guerra entre hermanos frenó en seco a la sociedad. Y su tierra se quedó todavía más aislada.

Él era un aficionado a la fotografía, algo que nunca debemos olvidar. Su fuente de ingresos era la banca, un horario de ocho a tres con chaqueta y corbata. Pero luego ese mundo gris cambiaba. Los números desaparecían y miraba directamente a la luz.

Hoy estamos todavía abandonados sin su mirar. Además no puedo ver sus libros para recordarle porque están guardados en el fondo de un trastero. Pero tenemos la memoria e internet para ver de nuevo sus trabajos, desde ‘La Chanca’ que le abrió las puertas hasta sus últimos disparos en el color que tanto le gustaron a Martin Parr.

El hombre que revitalizó la fotografía en España

A muchas personas, los más jóvenes del lugar, les costará entender todo lo que hicieron Carlos Pérez Siquier y José María Artero García en Almería en 1956. Solo por eso ya merecerían estar en el altar de la fotografía.

Ellos dieron forma a la revista del grupo AFAL (Asociación Fotográfica ALmeriense). La asociación se presentó en 1950, pero en el año 1955, José María Artero fue el presidente y Carlos Pérez Siquier el secretario. Él fue la parte artística y Artero la intelectual. Y todo cambió para siempre desde uno de los extremos más recónditos de la península.

Contra viento y marea, contra las modas que imperaban entonces, ellos dos buscaban, escribían y encontraban a aquellos fotógrafos que tenían algo que decir más allá del pictorialismo y el salonismo que triunfaban entonces.

Fotograma de ‘Azul Siquier’

Como escribimos con motivo de la exposición que tuvo la historia del grupo en el Reina Sofía:

Alguien conocía a alguien, conseguían su dirección postal, y le enviaban una carta que tardaba días en llegar. Si estaba conforme les enviaba fotografías para ser publicadas en la revista de una asociación de Almería… Si había algún problema o querías hacer alguna pregunta no quedaba más remedio que escribir de nuevo una carta, ir a Correos, comprar un sello y esperar a que llegara la contestación. Hoy nos parece un milagro, pero no deja de ser el germen de una red social fotográfica. Pero con una virtud. No había tiempo para tonterías y se iba directamente al grano. A la pura fotografía.

Fueron los renovadores de la fotografía y lograron reunir a los mejores fotógrafos de la época en una revista que marcó el antes y el después… Hasta llegar a aquel anuario de 1958 en el que todo tuvo que terminar por culpa del dinero. Pero la semilla estaba plantada.

La calidad del grupo les llevó a exponer fuera de nuestras fronteras. Y nunca se les ha reconocido lo suficiente todo lo que hicieron para alcanzar el nivel que tenemos hoy en día. Cuando ellos empezaron apenas había asociaciones… Hoy son incontables.

Carlos Pérez Siquier, el fotógrafo

Su estilo era directo. No había compasión ni crítica alguna en sus disparos. No era un dios omnisciente, sino que fotografiaba lo que le gustaba. Así lo hizo desde el principio, en ese reportaje de ‘La Chanca’ en blanco y negro y en todos los trabajos posteriores ya en color.

https://youtu.be/wfoSr2B0y18

Desconozco si será cierto o formará ya parte de la leyenda, pero nunca utilizó un trípode ni quería saber nada del flash. Y su mirada evolucionó desde el reportaje clásico de los humanistas hasta los encuadres cerrados en los que el color era el protagonista.

Su estilo era directo. No había compasión ni crítica alguna en sus disparos. No era un dios omnisciente, sino que fotografiaba lo que le gustaba.

Se le puede reconocer por los colores que sacaba con su cámara. Una tonalidad saturada y limpia que bebía de la luz más difícil que solo podemos encontrar en Almería. Sus imágenes de la playa, cuando España se abrió al turismo, llamaron la atención de Martin Parr en la exposición que organizó en Nueva York en 2007:

El propósito de la exposición actual es demostrar que una cultura de fotografía en color igualmente viva en Europa operaba antes y durante los años 70. Este trabajo se había pasado por alto en gran medida, ya que no fue organizado como un movimiento, ni fue promovido por instituciones de alto perfil. Los coloristas estadounidenses que se dieron a conocer en los años 70 ahora disfrutan de un renacimiento, mientras que los equivalentes pioneros europeos siguen siendo relativamente oscuros.

Podemos encontrar muchas cosas sobre él en las redes, como el documental ‘Azul Siquier’ que espero que programen esta noche… ‘Detrás del instante’ le dedicó un capítulo en la primera temporada (ojalá llegue la tercera temporada)… Pero lo mejor será abrir un libro suyo y aprender todos los secretos de la fotografía. O ir a su museo…

Era todo un personaje. Tuve la suerte de sentarme una vez a su lado y darle las gracias por existir. Nada sería igual si él no se hubiera esforzado tanto por mirar de una forma personal y sobre todo por comunicar y unir a todos los que tenían algo que decir con la cámara al hombro. Se ha ido uno de los mejores.

ÓSCAR CONDÉS@hoskarxataka

Que la cámara que usemos es lo de menos es un hecho pero, reconozcámoslo, a todos nos pica la curiosidad de saber con qué se ha hecho una fotografía que nos llama la atención. Si encima hablamos de fotos icónicas, de esas que son superconocidas y que han trascendido generaciones, realizadas por algunos de los grandes maestros de este arte, no me digáis que no os gustaría saber con qué cámara hicieron aquellas fotos.

Por supuesto aquí no se trata tanto de hablar del equipo usado, en sus diferentes marcas y formatos, ya que sin duda la importancia de la cámara se desvanece viendo las fotos que realizaron y la influencia que han tenido. Se trata más bien de rendir un homenaje a los fotógrafos y a su herramienta de trabajo: la cámara de fotos.

‘Edward Weston’ en la galería de Ur Cameras

Resulta curioso cómo antes un fotógrafo podía utilizar el mismo equipo durante muchos años. Hoy día tenemos una gran variedad de dispositivos que se actualizan prácticamente todos los años, y resulta triste ver como la gente se preocupa más de tener lo último en tecnología en vez de hacerlo por intentar sacar el mayor partido a lo que tiene. ¿A quién le importa si las cámaras que vamos a ver eran las mejores de aquel momento cuando fueron capaces de captar fotos míticas?

‘Niña afgana’ de Steve McCurry: Nikon FM2 (1984)

Foto de Sshjs930 compartida en Wikimedia

Comenzamos con una cámara que curiosamente está de actualidad gracias a que Nikon ha resucitado su espíritu a través de la Nikon Z fc. La Nikon FM2 original, la de carrete, fue la cámara con la que el famoso Steve McCurry capturó a una joven agfana. Una foto mítica que se publicó en 1985 en la portada de National Geographic y pasa por ser uno de los retratos más icónicos de la historia.

Esta cámara fue utilizada por numerosos fotoperiodistas gracias a su fiabilidad en la era analógica y aún hoy día tiene muchos adeptos (y no se encuentra barata).

‘Tras la estación St. Lazare’ de Henri Cartier-Bresson: Leica II (1932)

Foto de Kameraprojekt Graz 2015 compartida en Wikimedia Commons

Históricamente conocido como uno de los fotógrafos más influyentes de nuestro tiempo, Henri Cartier-Bresson elevó la práctica de la fotografía a la categoría de arte. Pues bien, os interesará saber que para él los aspectos técnicos de la fotografía carecían de importancia.

Esta icónica imagen (y muchas otras de las suyas) fueron realizadas con una «sencilla» Leica II, un modelo efectivo y muy discreto que le permitía «perderse» discretamente por las calles y pasar desapercibido mientras realizaba fotografías que hoy nos parecen asombrosas.

‘’V-J Day in Times Square’ de Alfred Eisenstaedt: Leica III (1945)

Foto de Hustvedt compartida en Wikimedia

El fotoperiodista Alfred Eisenstaedt se encontraba deambulando por la calle con una Leica IIIa al cuello en busca de una imagen significativa de las celebraciones de la victoria sobre Japón en en la Segunda Guerra Mundial (el 14 de agosto de 1945) cuando se topó con un instante mítico.

Tal y como contamos, vio como un marinero agarraba a una enfermera en Times Square, la inclinaba hacia atrás y la besaba apasionadamente. Todo sucedió de forma rápida y espontánea por lo que el fotógrafo tuvo que ser muy rápido en disparar. Su pericia, y el conocimiento de la cámara que utilizaba, le valieron para capturar una de las imágenes más icónicas del siglo XX que fue portada la la revista Time.

‘La madre migrante’ de Dorothea Lange: Graflex Super D (1936)

Foto de Christophe Frot compartida en Flickr

Otra imagen mítica que se convirtió en un símbolo de las dificultades que sufrió gran parte de la población estadounidense durante la Gran Depresión. Dorothea Lange, también conocida como «la fotógrafa del pueblo», fue una de las encargadas por la Farm Security Administration para documentar las migraciones que tuvieron lugar en aquellos años.

La cámara que utilizó para retratar a Florence Owens era una enorme Graflex Super D, un híbrido entre una cámara de campo y una de estudio. Precisamente, Dorothea fue una de las precursoras de que la fotografía saltara desde los estudios a la calle.

‘Gemelas idénticas’ de Diane Arbus: TLR Rolleiflex 6×6 (1967)

Imagen de Sputniktilt compartida en Wikimedia

Diane Arbus estaba obsesionada por fotografiar a sujetos extraños, inusuales, excéntricos y extraordinarios. Esta predilección le llevó a retratar a una amplia gama de personas y lograr fotos muy llamativas, entre las que destacó esta de dos gemelas idénticas.

Para realizarla, Arbus usó una de esas míticas cámaras con doble objetivo y visor superior que permite evitar el contacto visual directo con el sujeto. En concreto esta toma se hizo con una Rolleiflex TLR con película de 120 y formato 6×6; un modelo similar al que usaban otras famosas fotógrafas como Gerda Taro y Vivian Maier.

‘John Lennon y Yoko Ono’ de Annie Leibovitz: Polaroid instantánea (1980)

Imagen de Jonathan Mauer compartida en Wikimedia

Conocida por sus numerosos imágenes de políticos, artistas, deportistas y personalidades de todo tipo, una de las fotos más conocidas de Annie Leibovitz es este retrato de un duo mítico para la cultura popular. La imagen fue portada de la revista Rolling Stone en enero de 1981 y se realizó sólo unas horas antes de que John Lennon fuera asesinado.

Curiosamente, como prueba de que la cámara es lo de menos cuando la imagen tiene fuerza, fue realizada con una simple cámara instantánea, el tipo que solía usar la fotógrafa. No está claro cuál fue el modelo concreto pero, por la fecha, bien podría ser una Polaroid SX-70 o una Polaroid 600SE.

‘Guerrillero Heroico’ de Alberto Korda: Leica M2 (1960)

Imagen de Shane Lin publicada en Flickr

Otra imagen icónica de la historia, base de una silueta que hemos visto en miles de camisetas por todo el planeta. La foto del carismático revolucionario Ernesto “Che” Guevara fue tomada por Alberto Korda con una Leica M2 durante un acto conmemorativo y se convirtió en un símbolo.

Las Leica fueron una de las cámaras más populares entre los fotoreporteros por su calidad y portabilidad, y ésta en concreto sirvió a Korda para realizar este primer plano de la figura del popular guerrillero gracias al uso de un objetivo de 90 mm.

‘Invasión de Praga’ de Josef Koudelka: Exakta Varex (1968)

Foto de Chia Ying Yang compartida en Wikimedia

Al regresar de un viaje a Rumania en 1968, Josef Koudelka llegó a Praga justo un día antes de que la Unión Soviética invadiera el país para retornarlo a la disciplina comunista. Durante una semana el gran fotógrafo checo documentó sin descanso los hechos que sucedieron en la ciudad con su Exakta Varex, una réflex de 35mm que se fabricó en la Alemania del Este entre 1951 y 1956.

El fruto de aquel trabajo son un montón de imágenes icónicas, una de las más populares ‘Hand and wristwatch‘, en la que vemos un reloj de pulsera sostenido como si el usuario estuviera mirando la hora; al fondo hay una calle tranquila y vacía, pero el reloj muestra la hora exacta en que comenzó la invasión soviética.

Con esto hemos acabado de repasar las cámaras con las que se hicieron algunas fotos icónicas de la historia. Como decíamos al principio, esto no pretende ser nada más que un homenaje a las herramientas utilizadas para crearlas y, de paso, demostrar, que hacer buenas fotografías va mucho más allá del equipo que se utiliza.

Fuente | Light Stalking

‘Perro semihundido’ de Francisco de Goya es uno de los cuadros más analizados del mundo. Ha marcado a muchas generaciones de artistas y espectadores del museo del Prado, donde se encuentra. La pregunta siempre está en el aire ¿Qué es lo que vemos? Las respuestas son infinitas, pero gracias a una fotografía que hizo Jean Laurent de la obra en su espacio original en 1874, la solución es muy sencilla. Hay veces que nos gusta complicarnos la vida.

Las ‘Pinturas negras’ de Goya adornaban su casa de campo conocida como la Quinta del Sordo. Estaba cerca del río Manzanares, por la zona del puente de Segovia, cerca de la sala La Riviera. Era una finca que compró y en la que residió antes de su exilio. En los muros de aquella casa pintó los famosos cuadros que ahora reciben miles de visitas en el Museo del Prado.

Estaban pintadas directamente sobre el yeso seco, sin ningún tipo de preparación. Algunos especialistas afirman que no fueron pintadas para perdurar… Los herederos del pintor vendieron la quinta y un aristócrata francés la compró. Pero antes de derribar el edificio decidió salvar las pinturas.

La técnica elegida para hacer el traslado a lienzo desde el muro se llama strappo, y resultó muy dañina para las pinturas. Algunos cuadros perdieron materia pictórica y esto originó el mito imposible del genial ‘Perro semihundido’.

Fotografía original de Jean Laurent (Wikimedia Commons)

Las fotografías que hizo Jean Laurent en la casa, en 1874, han servido para descubrir cómo eran realmente. Y puede decirse que son un hito en la historia de la fotografía porque es de las primeras veces que se utilizó luz artificial para iluminar una fotografía.UN VISTAZO A…Así fue la primera memoria USB de la historia

El verdadero significado de ‘Perro semihundido’ y la innovadora técnica fotográfica

La técnica strappo es muy agresiva y siempre provoca pérdida de información. Y en el caso de ‘Perro semihundido’, el resultado hizo que los expertos teorizaran mil y una veces sobre el genial cuadro.

Que si era una metáfora sobre la situación política de entonces, que si estábamos ante la representación de la soledad del pintor o un ejemplo freudiano, kantiano… de la enfermedad mental…

Ya en 1996, José Manuel Arnaiz escribió en su libro ‘Las pinturas negras de Goya’ que la fotografía de Laurent desvelaba todo el misterio.

Detalle (Wikimedia Commons)

Si nos fijamos en la fotografía que hizo Jean Laurent antes del levantamiento de la pintura observamos que el perro simplemente está mirando el revoloteo de dos pájaros. Es una escena campestre pintada de forma sensacional.Así que no hay que darle más vueltas. Solo vemos a un perro en el campo mirando dos pájaros.

Goya, si contemplamos sus cuadros, amaba profundamente a los perros y odiaba a los gatos. Los cánidos siempre son amables y los felinos salen siempre ariscos… Así que no hay que darle más vueltas. Solo vemos a un perro en el campo mirando dos pájaros.

La magia de la fotografía de Jean Laurent

Y todo es tan sencillo gracias a la fotografía. Por cierto, 15 fotografías (de los 14 cuadros) que supusieron un reto técnico de enormes dimensiones según podemos leer en el estudio de Raquel Esteban Vega. Las fotografías se hicieron en agosto de 1874.

En dicho estudio, descubrimos que para hacer estas fotografías Jean Laurent utilizó un complejo sistema de luz artificial para registrar las famosas pinturas.

Ilustración del estudio de Raquel Esteban Vega ‘Las fotografías de J. Laurent de las Pinturas negras’

No sabemos si el trabajo se lo encargó Salvador Martínez Cubells, el restaurador del entonces Museo Nacional de Pintura y Escultura, o el barón d’Erlanger, dueño de la finca, que quería venderlas en Francia (afortunadamente nadie las quiso comprar y las donó al Prado).

Los negativos de cristal de 27×36 cm son de colodión húmedo, un proceso que exigía preparar la superficie sensible in situ y revelarla antes de que se secara. Y como estaban en las paredes, no podía sacarlas para iluminarlas correctamente.

Así que utilizó un sistema que ya había probado años atrás el mismo Nadar en Francia y que él estaba experimentando desde hace tiempo, las lámparas de arco voltaico y pila tipo Bunsen:

El funcionamiento del sistema partía de la energía generada por pilas de
Bunsen que transmitían la corriente a lámparas de arco voltaico, también llamadas de carbón, cuya intensidad lumínica era constante gracias a la acción de un regulador que mantenía invariable la distancia entre los dos bornes de la lámpara según estos se iban consumiendo.

‘Perro semihundido’ (Wikimedia Commons)

Era evidentemente luz continua, necesaria para compensar la oscuridad de las pinturas y del espacio donde se encontraban, además de la poca sensibilidad del colodión húmedo.

Muchas veces la historia del arte toma un camino u otro por diversos motivos ajenos al arte… Todo depende de la interpretación de un autor reconocido o un hecho ajeno a la valoración artística, como el robo que convirtió a la Gioconda en el cuadro más famoso.

En este caso todas las divagaciones no hubieran sido necesarias si alguien se hubiera fijado antes en unas fotografías perfectas que tomó un autor francés que vivía en España y que registró casi todo nuestro patrimonio artístico. Gracias a él sabemos que no estamos viendo la decadencia o el horror, solo a un perro feliz.

Ha terminado ya la segunda temporada de ‘Detrás del instante’, la serie documental de Xavier Baig y Jordi Rovira, producida por RTVE en colaboración con REC Produccions, sobre la vida y obra de los fotógrafos españoles. A lo largo de 13 capítulos nos han descubierto qué es realmente la fotografía. Una buena noticia sería que anunciaran ya la tercera…

‘Detrás del instante’ se está convirtiendo en una de las mejores series documentales en español sobre el arte que nos apasiona a todos los que escribimos y leemos Xataka Foto.

La fotografía no consiste solo en máquinas y técnicas digitales; tampoco vive exclusivamente de imágenes virales que se olvidan al instante, en cuanto aparece otra más impactante… La fotografía es una trabajo y una pasión. Y ellos lo han dejado claro.

El capítulo de Tino Soriano

En los últimos tiempos cada vez es más frecuente encontrar en las redes grupos de fotógrafos que atacan a los demás por no pensar como ellos o por escribir en medios ajenos, simplemente por ‘crear polémica’ (como nos dijeron textualmente)… ‘Detrás del instante’ demuestra que la pura fotografía es trabajo, trabajo y más trabajo y pensar en el bien común.

Tino Soriano, Isabel Muñoz, Estela de Castro, Marisa Flórez, Gonzalo Azumendi… son algunos de los autores que nos han contado la historia de una de sus fotografías más representativas y luego hemos descubierto su trayectoria personal y profesional. Y como ocurre con las buenas películas, nos quedamos con ganas de más.

‘Detrás del instante’ y su papel en la historia de la fotografía

Uno de los tesoros más grandes que tengo en mi videoteca personal son algunos de los documentales de fotografía que he ido consiguiendo a lo largo de mi vida por distintos medios. Muchos los he comprado, como todos los dedicados a Henri Cartier Bresson, otros los grabé en VHS y algunos me los han pasado los propios autores.

El capítulo de Kim Manresa

Ahí tengo la maravillosa serie de Momeñe que siempre digo que hay que recuperar para todo el mundo, o cualquiera de las series de la BBC (la referencia en este campo) en las que muchos descubrimos aspectos desconocidos de la historia de la fotografía.

Dentro de mi colección tengo ya (espero que no desaparezca Rtve A la carta) las dos temporadas de ‘Detrás del instante’. Es una serie accesible para todos los públicos, no solo los aficionados a este mundo.

El capítulo de Isabel Muñoz

Cualquiera puede entender que el trabajo de los personajes entrevistados es fruto del esfuerzo, de la búsqueda y sobre todo de las ganas de trasmitir y cambiar la forma de ver las cosas. Todos tienen un estilo propio. Y no lo han conseguido después de estar tres meses en una academia televisada 24 horas ni por ser alguien en las redes sociales.

En esta serie documental cuenta que nada es gratis, que el esfuerzo y el trabajo son los mejores caminos para conseguir ser reconocido. Isabel Muñoz es incansable, Tino Soriano empezó a trabajar en otras cosas para conseguir su sueño de viajar, Victor Lax se reinventó para salir de la crisis económica que le dejó sin ingresos…

Algunos capítulos los pondría en los institutos donde algunos creen que el éxito solo depende de los seguidores que tengas. Parezco un abuelo cebolleta pero es así. Además tenemos desde autores consagrados como Fontcuberta, con todo su discurso detrás hasta Estela de Castro, una de las autoras más prometedoras del panorama.

El capítulo de Estela de Castro

Y rezuma por todos lados un amor infinito a la fotografía: la búsqueda de las historias, del material fotográfico, las anécdotas, la forma de grabar a pesar de todos los problemas de la pandemia… En cada uno de los documentales encontramos a los compañeros de trabajo del entrevistado que nos ayudan a comprender la forma de mirar del protagonista.

En definitiva, estamos ante una serie documental que debería tener más temporadas. Hay cientos de fotógrafos que no conocemos, escuelas y corrientes de los que se sabe poco…

A algunos de los fotógrafos que han salido esta temporada los conozco personalmente y me he quedado con ganas de conocer a Fontcuberta, a Kim Manresa y a ese torbellino que es Gonzalo Azumendi… Y a juzgar por lo que hemos leído a nuestros lectores, muchos habéis terminado con la misma sensación… La serie ha sido un éxito.

¿Os imagináis que además de las biografías de autores recientes nos cuentan de la misma forma la historia de Alfonso, de Catalá Roca, de la escuela de Madrid o

la inolvidable AFAL…? ¿O qué simplemente nos descubren a más autores y su forma de trabajar?

Ojalá podamos volver a ver nuevo material la temporada que viene.

Como cada año, el Real Observatorio de Greenwich, en colaboración con la revista BBC Sky at Night, convoca su concurso ‘Astronomy Photographer of the Year‘ en busca de las mejores fotos astronómicas, esas que nos muestran el cielo y lo que hay más allá. Pues bien, el que es probablemente el certamen más prestigioso de esta disciplina ha desvelado un adelanto de los finalistas de su decimotercera edición.

Hace unos meses que os enseñamos las fotos ganadoras de la última edición y ahora podemos ver algunas de las que aspiran a llevarse el premio de este año. Desde una puesta de sol capturada por el Rover Curiosity que la NASA llevó a Marte, hasta una instantánea del paso del cometa Neowise sobre Stonehenge, pasando por fascinantes auroras boreales o una foto de la trayectoria de la Luna sobre los tejados de París tomada durante el confinamiento.The Star Observer © Antoni Cladera Barceló. Finalista en el concurso Astronomy Photographer of the Year 2021.

También tomas en las que la Vía Láctea es protagonista, como ‘The Star Observer‘ obra del español Antoni Cladera Barceló y que es una de las finalistas que optarán al premio principal de diez mil libras esterlinas. En total, y a pesar de ser un año complicado, la organización dice haber recibido más de 4.500 entradas de fotógrafos aficionados y profesionales de 75 países de todo el mundo.

El próximo 16 de septiembre se anunciarán los ganadores definitivos, incluyendo los de las distintas categorías, los especiales y el premio principal al «Fotógrafo astronómico del año». De momento, os dejamos con los finalistas ahora desvelados:

Finalistas del concurso ‘Astronomy Photographer of the Year 2021’

The Milky Way on the Ancient Village © Zhang XiaoStar trails over the Lujiazui City Skyline © Daning KaiThe Full Moon in Moscow © Anna KaunisThe Eyes of Clavius © Thea HutchinsonThe Exceptionally Active Ion Tail of Comet 2020F8 SWAN © Gerald RhemannGlory of Damavand and Milky Way © Masoud GhadiriThe Magnetic Field of our Active Sun © Andrew McCarthyMoonrise over Jodrell Bank © Matt NaylorThe Rose © Josep DrudisBicolour Veil Nebula © Péter FeltótiThe Soul of Space (Close-up of the Soul Nebula) © Kush ChandariaStar Fall © Wang ZhengThe Tumult of the Sun © Hassan HatamiAurora in Murmansk © Vitaliy NovikovWaterfall © Anna Dobrovolskaya-MintsSaturn at its Best © Damian PeachA Daytime Transit © Andrew McCarthyProximity © Péter FeltótiComet Neowise over Stonehenge © James RushforthChâteau de Chambord © Benjamin BarakatDolphin Head Nebula © Yovin YahathugodaDugi Otok – Variant A © Ivan VuceticMilky Way rising over Durdle Door © Anthony SullivanGlory of Damavand and Milky Way © Masoud GhadiriNGC 3981 © Bernard MillerHarmony © Stefan LiebermannPath of the Full Moon above the Sleeping City © Rémi Leblanc-MessagerLuna Park © Ed Hurst copiaPleiades Sisters © Jashanpreet Singh DingraMartian Sunset © John WhiteStar Watcher © Yang SutieMoonrise over Jodrell Bank © Matt Naylor

Más información | The Royal Observatory Greenwich

Foto de portada | ‘Iceland Vortex’ de Larryn Rae. Finalista del Astronomy Photographer of the Year 2021