“Chema Madoz descubre lo extraordinario dentro de lo cotidiano”. Esta frase, quizá, resume la característica principal del trabajo de Chema Madoz.

Premio Nacional de Fotografía en el año 2000, Madoz ha seguido una trayectoria que lejos de estancarse o repetirse está siempre en constante evolución.

No hay una sola de sus fotografías que no tenga diversas lecturas. Desafiar lo aprendido y poner la atención en la subversión del objeto cotidiano da una dimensión a sus imágenes que las convierten en clásicos.

La minuciosidad de cada detalle en unas fotos aparentemente sencillas, logra que la atención se dirija a aquello que nos hace reflexionar para darnos cuenta de que la única realidad es la multiplicidad de realidades.

En el documental “Chema Madoz, regar lo escondido” queremos descubrir cómo aborda Madoz el proceso creativo, la parte que más le interesa de su trabajo, como él mismo confiesa.

Chema Madoz, regar lo escondido

Chema Madoz es un poeta. También es un fotógrafo, pero eso viene después. Primero imagina, trastoca y tergiversa, y una vez que ha “soñado” la imagen, entonces entra en acción su cámara tomando nota de lo imaginado. Así, Madoz fotografía su mente.

En este documental, “Chema Madoz: Regar lo escondido”, hemos tirado del hilo de esta tesis para entrar en él, en su jardín secreto, para contar cómo funciona su imaginación y cómo surgen las imágenes.

Lo que hubo al principio fue un acto de fe, dejar un trabajo fijo en un banco para intentar vivir de lo que de verdad le apasionaba. Él ya sabía que se había topado con una veta creativa, que en su caso, se convertiría en oro puro. Y ahí siguió dándole vueltas a la realidad hasta que encontró un lenguaje propio, lo más difícil y lo único que podría convertirle en el artista que es hoy.

El ambiente de la época, los famosos años de la movida madrileña, influyeron en su determinación, en la valentía que se respiraba en el aire por intentar ser uno mismo y perseguir tus sueños. Como dice el crítico de arte Jose Luis Gallero, aunque Madoz pertenece generacionalmente a ese momento y a la misma constelación de García-Alix o Miguel Trillo, no es un fotógrafo representativo de la movida, porque entonces él no tenía el espíritu del reportero atento a lo que pasaba en la calle. Madoz ya estaba mirando hacia dentro.

“Su obra recuerda a Joan Brossa, a José Val del Omar, al surrealismo y a las greguerías de Gómez de la Serna“

En este documental han participado entre otros, el pintor Fernando Bellver, el galerista Borja Casani, la escritora Menchu Gutiérrez o el comisario de exposiciones Alejandro Castellote. Amigos y colaboradores de Madoz que nos han dado las claves para entender su obra. Las resonancias que le unen a Joan Brossa, a José Val del Omar, al surrealismo y a las greguerías de Gómez de la Serna.

Poesía y realidad

Con paso lento, constante y sin estridencias, Chema Madoz ha ido mostrándonos un mundo que todos reconocemos pero al que sólo él nos acerca.

“Cuenta con esa capacidad común a los poetas, la de ver más allá de la realidad“

Con esa capacidad común a los poetas, la de ver más allá de la realidad, la de intuir otros mundos que están en este pero ocultos para la mayoría, ha ido levantando una obra que sorprende, nueva, única y en blanco y negro.

El círculo concéntrico que deja una gota de lluvia en la superficie del agua se transforma en su mente en un lago de latas de acero.

Pero es mejor ver sus fotos que explicarlas; su peso, la composición y el tamaño… Porque otra de las habilidades especiales de Madoz consiste en saber detectar la escala exacta que deben tener sus objetos, las dislocaciones del sentido al tamaño exacto.

Sus imágenes son absolutamente reales, apegadas a los objetos, muchos de ellos de uso cotidiano, humildes, como un dedal o un pan de pueblo. Otras más sofisticadas, elegantes, algunas punzantes, casi todas silenciosas. Enhebradas muchas de ellas por un hilo de humor fino.

World Press Photo 2019

La niña migrante que lloraba en la frontera entre México y Estados Unidos, una captura de la caravana que buscó romper muros contra las políticas de «tolerancia cero» del presidente Donald Trump, tomada por el estadounidense John Moore, ha ganado este jueves el World Press Photo a la fotografía del año.

El jurado de la 62º edición de estos galardones ha considerado la imagen como «la foto de prensa mundial del año» y ha celebrado que haya representado «una protesta pública por la polémica práctica» propuesta en Estados Unidos de separar a los menores inmigrantes de sus padres, algo que no llegó a ocurrir a la protagonista de la foto de Moore, la niña Yanela Rodríguez, que viajaba con su madre Sandra.

Se trata de una imagen «sorprendente, única, relevante, memorable», en palabras de Whitney C. Johnson, presidenta del jurado de este concurso, que otorga la máxima distinción del fotoperiodismo a nivel mundial.

«Te dice mucho de la historia de forma inmediata y, al mismo tiempo, realmente te hace sentir conectado con lo ocurrido. Esta foto muestra un tipo diferente de violencia, la psicológica», ha añadido Alice Martins, fotoperiodista y miembro del jurado del World Press Photo.

Moore capturó la fotografía la noche del 12 de junio de 2018 al sur de Texas, en una zona conocida como el valle del Río Grande, en la frontera entre México y Estados Unidos.

El fotógrafo estadounidense viajaba con un grupo de agentes fronterizos cuando se topó con varias familias, «más de una docena de personas» que marchaban hacia Estados Unidos, pero que fueron trasladadas por los funcionarios de frontera a un centro de solicitantes de asilo, explicó Moore a Efe.

La protagonista de la foto es una niña asustada, que lloraba mientras era arrestada por los agentes, después de caminar desde Honduras, junto a su madre, durante un mes. Fue detenida, al igual que el resto de migrantes, y fueron obligados a entregar sus pertenencias personales, documentos e incluso los cordones de sus zapatos, y dejando en el aire su anhelo de llegar a EE.UU.

Ejemplo visual de la política de «tolerancia cero» de Trump

Moore, fotoperiodista de Getty Images, aseguró que esa noche pudo ver en los ojos de esa niña y, «desde el principio, que tenían miedo, porque era tarde y seguramente (afrontaban) una situación inusual para la mayoría de ellos», pero asegura que, al menos en su presencia, los agentes de la Guardia de Fronteras «trataron bastante bien» a aquel grupo de migrantes.

Cuando un agente tuvo que registrar a Sandra, la madre de la pequeña, ella dejó a su hija de dos años en el suelo y esta comenzó a llorar sin consuelo por miedo a que la separaran de su madre. Ese fue el momento en el que Moore tomó la fotografía que, tras ocupar portadas de grandes medios de comunicación, entre ellos la revista Time, le valió hoy el World Press Photo.

Para este fotoperiodista, la imagen representa «un ejemplo visual de la política de tolerancia cero» del Gobierno de Estados Unidos y, aunque nada asegura que el éxito de su foto sirviera para presionar al presidente estadounidense, Donald Trump, para que se retractara de su decisión de separar a los niños de sus familias, la fotografía sí le molestó.

El equipo de Trump consideró «vergonzoso» que se hubiese utilizado la imagen de una niña llorando para denunciar esa medida.

Moore ha ejercido fotoperiodismo en al menos 65 países y sus fotografías fueron publicadas a nivel internacional durante 17 años, hasta que decidió volver a su Estados Unidos natal en 2008 para especializarse en inmigración y fronteras.

En la misma línea que la noticia que representa la fotografía ganadora, el jurado del World Press Photo también eligió como «historia periodística mundial del año», la serie «La caravana migrante», de Pieter ten Hoopen, que documenta «la mayor» marcha de inmigrantes del año, con hasta 7.000 viajeros, incluyendo al menos 2.300 niños, según cifras de la ONU.

La caravana, organizada a través de una campaña en las redes sociales, salió de San Pedro Sula, Honduras, el 12 de octubre, y con la propagación de la palabra se trasladó a la gente de Nicaragua, El Salvador y Guatemala, ocupando portadas en todo el mundo y levantando las criticas contra las políticas xenófobas de Trump.

«La edición de la historia tenía que ser bastante fuerte y la narración debía estar ahí con diferentes elementos de escenario», dijo Johnson sobre la serie fotográfica elaborada por Ten Hoopen, fotoperiodista especializado en guerras y crisis humanitarias desde 2004 y fotógrafo de la Agencia VU en Paris.

En fotografía de belleza, moda y retrato, la mirada tiene un componente fuerte dentro de la composición y el enfoque del sujeto. Resaltar los rasgos del ojo es importante; hacerlo con naturalidad aún más. Para sacar este paso de retoque adelante, en esta guía seguiremos el estilo propuesto por Unmesh Dinda en su canal de YouTube, Piximperfect:

Como se puede ver en el vídeo, este trabajo se separa en tres componentes: refinar el iris, refinar el reflejo de la fuente de luz sobre el ojo y sacar detalle del globo ocular. Para ejemplificar el proceso usaremos la imagen de abajo:

Lo primero que realizaremos es una capa de ajuste de ‘Curvas’ para trabajar sobre el iris. Subimos la exposición llevando un punto hacia la parte superior de la curva. Luego comenzaremos a trabajar haciendo líneas partiendo del borde de la pupila hacia el extremo del iris.

Con una tableta podremos trabajar a opacidades y flujo de brocha bajos, lo que nos permitirá generar más textura sobre el proceso de iluminar el iris. Sin embargo, así se trabaje con mouse, lo importante es trabajar de manera radial, siguiendo la dirección del centro al borde. En el vídeo de Piximperfect podemos copiar los ajustes de un iris a otro, sin embargo personalmente prefiero trabajar cada ojo individualmente.

Una vez realizamos este ajuste trabajaremos sobre los brillos de reflejo. Este trabajo es muy importante, ya que es uno de los elementos que le dan más vida y profundidad a la mirada. Crearemos una nueva capa de ajuste de curvas y subiremos la exposición del mismo modo que el del iris. En esta ocasión veremos los reflejos y trabajaremos en recrear las ventanas de los ojos sobre la máscara del ajuste.

Para balancear ambos ajustes utilizaremos la opacidad de capa. En este ejemplo, el ajuste de los iris los he dejado en 40% y las ventanas de luz las he dejado en un 70%.

EN XATAKA FOTO«Si no se puede arreglar en 10 segundos, ni lo menciones»: hacia una mejora en el retoque fotográfico natural

Para terminar, de manera opcional podemos trabajar el ocular del ojo. En el vídeo de Unmesh, el retocador limpia los oculares utilizando la herramienta de ‘Corrector’, utilizándola en modo de fusión ‘Aclarar’ para no afectar y crear manchas sobre el retoque. También podemos darle un poco de luz al ocular con una última capa de ajuste de ‘Curvas’.

Para ello seguiremos la forma al exterior del Iris y ajustaremos el brillo final utilizando la opacidad de capa.

Abajo podemos ver un resultado de este método.

Esperamos esta guía os sea de utilidad. ¡Hasta la próxima!

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No es que sea un regla establecida… digamos, “académicamente”. De hecho, su origen es muy curioso y muy poco formal. Por eso, quizá deberíamos decir que más que una regla es una recomendación. El caso es que utilizar un diafragma f8 de forma habitual si practicas fotografía callejera, viajera, documental o similar es un buen consejo como vamos a ver.

Por supuesto, como siempre decimos, las reglas en fotografía están para conocerlas, usarlas cuando nos puedan ser útiles y romperlas cuando lo que hagan es coartarnos. Más en un caso como éste en el que, como ya hemos adelantado, más que una regla es una recomendación.

¿En qué consiste?

Se trata, como ya habéis podido imaginar, de utilizar una apertura de diafragma fija de ƒ8 de forma intensiva. Una técnica ya hemos apuntado otras veces porque de hecho es uno de los consejos básicos que dábamos en la segunda parte de nuestro especial sobre fotografía callejera. Se trata, efectivamente, de tratar de buscar una profundidad de campo bastante amplia para asegurarnos de que la toma va a estar correctamente enfocada en un margen muy amplio.

Esto nos viene muy bien para realizar fotos que surgen de forma rápida sin que tengamos tiempo apenas de enfocar y lo podemos combinar con el uso de un modo de disparo semiautomático (como decíamos hace poco, disparar en modo manual no te hace más profesional), en este caso lógicamente del conocido Modo A de prioridad al diafragma.

Así, una vez fijado el valor de ƒ8 la cámara debería encargarse de elegir la velocidad y permitirnos un trabajo rápido sin problemas. En cuanto al ISO, dependiendo de las condiciones de luminosidad sería conveniente fijarlo con antelación (siempre teniendo en cuenta  que el valor elegido esté dentro de los que nos ofrecen buenos resultados).

Por otro lado, un valor de ƒ8 normalmente siempre va a estar cerca del punto dulce de nuestro objetivo (es decir de la apertura con la que se consigue la máxima calidad), y en cualquier caso no es un valor lo suficientemente alto como para que perdamos nitidez a causa de la difracción.

Pero, como decimos, no tiene porqué ser una regla para seguir el pie de la letra, sino más bien un punto de partida para iniciarse en esta práctica con la seguridad de que nos permitirá un enfoque correcto. De esta manera, podremos estar más pendientes de otros temas como puedan ser la composición para lograr buenas fotos.

¿De dónde viene esta regla?

Su origen es ciertamente atípico ya que su inventor fue el mítico fotoreportero Weegee. Puede que así de nombre no os suene mucho pero os aseguro que alguna vez le habéis visto o habéis oído hablar de él. La historia completa ya la contamos aquí, así que no nos vamos a extender, pero os recordamos que fue un foto periodista que se hizo famoso en el Nueva York de los años 40 del siglo pasado por llegar al lugar del crimen antes que la propia policía.

Lo más curioso es que este fotógrafo era totalmente autodidacta y fue con la experiencia como desarrolló una técnica que le permitía una práctica fotográfica muy veloz. El caso es que en cierta ocasión alguien le preguntó que cuál era su secreto para conseguir sus fotografías y él contesto “ƒ8 y estar allí”. Así de simple y de efectivo… aunque tenía su truco claro.

Lo primero ya lo hemos explicado: Usar este diafragma, que combinaba con una velocidad fija de 1/200 seg y el uso de un flash (utilizaba una vieja 4×5 Speed Graphic), le aseguraba que la foto estuviese enfocada en prácticamente cualquier situación sin tener que tocar ningún ajuste. Lo de “estar allí” ya era otro tema, y tenía mucho que ver con el hecho de moverse con una furgoneta que incluía una emisora de radio para escuchar a la policía y un pequeño laboratorio para revelar sus fotos rápidamente y ofrecérselas a los periódicos antes que nadie.

Todo un personaje que forma parte de la historia de la fotografía y que además de ingéniarselas para “estar en el lugar correcto en el momento justo”, no se sabe muy bien cómo pero dio lugar a esta regla fotográfica que, por supuesto, hoy sigue teniendo su utilidad.

XATAKA FOTO

Normalmente si pensamos en fiordos nos viene a la cabeza Noruega y unos impresionantes valles de naturaleza deslumbrante. Pero si intentamos imaginarlos seguro que pensamos en ellos de día, casi nunca de noche. Sin embargo, se trata de lugares que también son espectaculares cuando cae el sol, sobre todo en invierno gracias a las auroras boreales, como demuestra el vídeo ‘Nights in the Fjords of Northern Norway’.

Como habéis visto, el espectáculo es deslumbrante porque la aurora boreal arroja luz sobre el espectacular paisaje de los fiordos noruegos, esos valles en forma de V que fueron esculpidos por los glaciares de la última era glacial y albergan crestas de montañas afiladas y largos brazos de agua de mar por los que se pasean los cruceros para deleite de los pasajeros. Aunque nosotros nos quedamos con el deleite de ver este vídeo que sin duda nos transporta a un lugar impresionante pero desde la comodidad de nuestra casa.

El vídeo es obra de Adrien Mauduit, un fotógrafo y cineasta francés afincado en Dinamarca que es la cabeza visible de Night Lights Films, y de quien ya os enseñamos hace tiempo este otro timelapse 4K donde que nos mostraba la Vía Láctea y además otros objetos del espacio profundo. Un vídeo, por cierto, que era la primera parte de una serie que ya va por la cuarta. Así que, si os gustan este tipo de trabajos os recomendamos una visita a sus perfiles.

Por cierto que el trabajo se filmó con un equipo compuesto por una Canon EOS 6D con el filtro infrarrojo modificado, una Sony A7R II y una A7S más varias ópticas con longitud focal entre 10 y 500 mm. En cuanto a accesorios, se usaron filtros anticontaminación para reducir la contaminación lumínica y aumentar los detalles de las escenas de cielo profundo y una Vixen Polarie para rastrear las estrellas, obtener tomas más limpias y también para el control de movimiento. La postproducción se realizó en Adobe Lightroom con varios plugins especializados y el montaje final con Final Cut Pro X.

Night Lights Films | Página web | Vimeo | Instagram

XATAKA FOTO

Resultados correspondientes al primer trimestre del año 2019.

Imagen que ha obtenido mayor número de votaciones cuyo autor es Antonio Vallano.

GABRIEL CUALLADÓ, FRANCISCO GÓMEZ. Inseparables
Salas 1 y 2 del 26 de abril al 16 de junio

La complicidad creativa y la relación de amistad entre estos dos fotógrafos son los ejes de esta exposición, una muestra de sus corpus de trabajos y series emblemáticas que permitirán descubrir los vínculos entre sus trayectorias al contrastar los conjuntos de imágenes y temáticas de cada uno de ellos.
Cualladó y Gómez se conocieron en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid y pronto sintonizaron. Durante la década de los sesenta tomaron un gran protagonismo en los grupos en los que se integraron, renovadores de la fotografía española a mediados del siglo XX.
La obra de Gabriel Cualladó, primer galardonado con el Premio Nacional de Fotografía en 1994, destaca por una destilada influencia de los clásicos internacionales y una extraordinaria habilidad para el retrato próximo y directo, en contraste con la dureza de los positivados de sus copias que confieren a sus imágenes un característico halo de fantasía.
Francisco Gómez prestó especial atención a lo largo de toda su obra a las imágenes de interiores, logrando que lo real entrase en el ámbito de lo imaginario con tan sólo fijar un detalle o encuadrar una pared, situándose su trabajo entre el realismo y la abstracción, la fotografía subjetiva y el neorrealismo. Su práctica fotográfica se diversificará enormemente tras comenzar a colaborar con la revista Arquitectura en 1959, abriéndose también desde entonces a géneros como la fotografía de arquitectura, el reportaje o una incipiente práctica documental urbana.

PATIO HERRERIANO